1.5: Чому ми робимо мистецтво?

Деякі з найбільш ранніх доказів впізнаваної людської діяльності включають не тільки практичні речі, такі як кам'яні інструменти і вогняні ями, але і декоративні предмети, що використовуються для особистого прикраси. Наприклад, ці дрібні намистини, виготовлені шляхом проколювання раковин морських равликів, знайдені в печері Бломбос на південно-східному узбережжі Південної Африки, датуються Середнім кам'яним століттям, 101 000-70 000 до н.е. (Малюнок 1.19) Ми можемо лише міркувати про наміри наших далеких предків, але зрозуміло, що їх життя включало практику зачаття та виробництва предметів мистецтва. Одна річ, яку ми, здається, ділимося з тими далекими родичами, - це бажання творити мистецтво.

Малюнок 1.19 Печера Блумбос Нассаріус крауссіанус морські намистини та реконструкція намистин нанизування, Автор: Маріан Ванхарен та Крістофер Хеншілвуд, (CC BY-SA 3.0)

Культуру можна визначити як групу людей, які погоджуються з тим, що важливо. Сьогодні багато різних людських культур і субкультур співіснують; ми можемо знайти в них широкий спектр уявлень про мистецтво і його місце в повсякденному житті. Однією з головних цілей австралійських художників-аборигенів, наприклад, є «карта» навколишнього світу. (Рис. 1.20) На цій картині на корі мальовничі символи розповідають історію великого мисливця змії в таких кольорах, як червоний для пустельного піску і жовтий для сонця. (Рис. 1.21) Подібним чином, хоча і з різними матеріалами, буддійські пісочні картини, відомі як мандали, представляють карту космосу. Ці кругові діаграми також представляють зв'язок індивіда до цілого та рівні людської усвідомленості. (Малюнок 1.22)

Малюнок 1.20 Символи «Карта» австралійських аборигенів, Автор: Джеффрі Лемьє, (CC BY-SA 4.0)

Малюнок 1.21 Пісочний живопис, Автор: Сайлько, (CC BY-SA 3.0)

Малюнок 1.22 Колесо часу Калачакра Пісок Мандала, Художник: Лосанг Самтен, Автор: Стів Осборн, (CC BY-SA 3.0)

Необхідність створення мистецтва можна розділити на дві великі категорії: особиста потреба в вираженні ідей і почуттів, і потреби громади в утвердженні спільних цінностей. У наступних розділах ми розглянемо деякі з цих мотивів, щоб більш чітко зрозуміти та визначити наміри художника в творах мистецтва, з якими ми стикаємося.

Ми повинні визнати, що кожна людина прожила унікальне життя, тому кожна людина знає щось про світ, чого ніхто інший не бачив. Сьогодні робота митців полягає в тому, щоб розповісти нам про те, що вони дізналися - окремо або як частина своєї спільноти - використовуючи художній матеріал або середовище, найбільш підходящий для їхніх здібностей. Хоча копіювання творів інших - це хороша підготовка, це просто переробка того, що вже було виявлено. Оригінальність, однак, більш високо цінується в сучасному мистецтві. Джорджія О'Кіф (1887-1986, США) пояснила свій погляд на це питання, коли написала: (рис. 1.23)

Саме восени 1915 року у мене вперше виникла думка, що те, що мене навчили, мало цінно для мене, за винятком використання моїх матеріалів як мови - вугілля, олівець, ручка та чорнило, акварель, пастель та олія. Я вільно спілкувався з ними, коли був настільки молодим, що вони були просто іншою мовою, з якою я легко справлявся. Але що з ними говорити? Мене вчили працювати, як і інших, і після ретельного мислення я вирішив, що я не збираюся витрачати своє життя на те, що вже було зроблено. Я вирішив, що я дуже дурний дурень, щоб нарешті не малювати так, як хотілося, і сказати, що я хотів, коли малювала.5

5 О'Кіф 1976, розбита на сторінки.

Малюнок 1.23 Серія 1, № 8, Художник: Джорджія О'Кіфф, (Громадське надбання, «Профільи»)

1.5.1 Особиста потреба у створенні

Багато творів мистецтва виходять з особистого рішення поставити почуття, ідею чи концепцію у візуальну форму. Оскільки почуття сильно різняться, отримане мистецтво приймає широкий спектр форм. Такий підхід до мистецтва походить від захоплення індивіда досвідом. Doodling приходить на розум як один дуже базовий приклад такого захоплення. Абстрактні експресіоністські роботи Поллока, також відомі як екшн-картини, набагато більше, ніж каракулі, хоча вони можуть нагадувати такі на поверхні. (Осінній ритм-номер 30, Джексон Поллок: http://www.metmuseum.org/art/collection/search/488978?=&imgno=0&tabname=online-resources; Номер 10, Джексон Поллок: http://www.wikiart.org/en/jackson-pollock/number-10-1949) Вони були результатом багатьох рівнів художня думка, але на базовому рівні були поєднання захоплення в акті живопису і в особистому відкритті, що діяти дозволило.

Деяке мистецтво призначене для надання особистого коментаря. Твори мистецтва, які ілюструють особисту точку зору або досвід, можуть виконати цю мету. Персеполіс, графічний роман Марджан Сатрапі (нар. 1969, Іран), опублікований у 2000 році, розповідає про її досвід та думки під час іранської революції 1979 року, і є прикладом такого особистого коментаря. (Ключі до раю: https://imaginedlandscapes.files.wordpress.com/2014/02/pi-102.jpg) Сатрапі є провідним прихильником графічного роману, нового підходу до мистецтва. В іронічній критиці того, як різні частини іранського суспільства постраждали від війни, Сатрапі порівнює викривлені фігури іранської молоді, яка загинула під час вибуху в зоні бойових дій, з танцювальними рухами на святкуванні середньої школи.

Твори мистецтва можуть бути створені таким чином як засіб вивчення власного досвіду, спосіб виведення прихованих емоцій на поверхню, щоб їх можна було впізнати і зрозуміти більш чітко. Термін для цього процесу - катарсис.

Катартичні твори мистецтва можуть виникнути через сприйняття горя, добра, зла чи несправедливості, як у «Пліт Медузи» Теодора Жеріко (1791-1824, Франція), який був обвинувальним висновком французького уряду свого дня після потоплення корабля. (Рис. 1.24) Коли Вістлер, з іншого боку, став прихильником «Мистецтва заради мистецтва», він відкидав зовнішні впливи, такі як сучасні художні та соціальні стандарти, щоб «очистити» мистецтво від зовнішньої корупції. (Див. Рис. 1.18) Ідея зняття впливу зі створення мистецтва - сучасна. Значна частина мистецтва, зробленого до дев'ятнадцятого століття, була вироблена за підтримки та під керівництвом релігійних, політичних та культурних органів у більшій громаді.

Малюнок 1.24 Пліт Медузи, Художник: Жан Луї Теодор Жеріко, (Громадське надбання)

1.5.2 Комунальні потреби та цілі

В історії та географії ми бачимо релігійні та політичні спільноти, які залишаються стабільними, незважаючи на постійний тиск як внутрішніх, так і зовнішніх джерел. Одним із способів підтримки стабільності громади є виробництво творів мистецтва, які визначають спільні цінності та досвід у цій громаді і таким чином об'єднують людей.

Архітектура, пам'ятники, фрески та ікони є видимими путівниками для участі громади в мистецтві та часто використовують конвенції щодо створення зображень. Конвенція - це узгоджений спосіб мислення, говорити або діяти в соціальному контексті. Існує багато видів умовностей, включаючи візуальні умовності. Хорошим прикладом у візуальному мистецтві буде звичайне почуття спрямованості. У західних культурах текст зазвичай читається зліва направо. Тому, коли вони дивляться на ілюстрацію, західні глядачі прагнуть «ввести» картину зліва вгорі і перейти праворуч. Предмети, які з'являються на лівій стороні зображення, вважаються «першими», тоді як ті, що з'являються праворуч, вважаються «пізніше». Оскільки азіатські тексти дотримуються іншої конвенції і, як правило, читаються справа наліво, азіатський глядач несвідомо припускає протилежне.

Архітектура, особливо громадських будівель, є вираженням цінностей громади. Будинки суду, бібліотеки, ратуші, школи, банки, фабрики та в'язниці призначені для громадських цілей, і їх форми стають міцно пов'язаними з їх функцією: архітектурні форми стають умовностями. Використання старих стилів архітектури може бути як посилання на цінності попередніх культур. У Сполучених Штатах, наприклад, багато урядових будівель спроектовані з імпозантними кам'яними фасадами з використанням класичних грецьких і римських колон, які символізують міцність і стабільність. Будівлі федерального уряду, такі як Капітолій США та Верховний суд (рис. 1.25), були спроектовані таким чином, щоб громада асоціювала давньогрецькі та римські ідеали чесноти та цілісності з діяльністю всередині цих більш сучасних будівель.

Малюнок 1.25 Будівля Верховного суду США, Фотограф: Державний службовець США, (суспільне надбання)

Однак багато архітекторів ХХ століття дотримувалися керівного принципу американського архітектора Луї Саллівана (1856-1924, США), що «форма слідує функції». У своєму дизайні Баухауса Вальтер Гропіус (1883-1969, Німеччина) відкинув зайве оздоблення і зосередився натомість на ефективному і функціональному використанні простору і матеріалу. (Рисунок 1.26) Провідна школа мистецтва, ремесла та архітектури в Німеччині з 1919-1933 років, вчення Баугауса, або «будівельний будинок», з того часу сильно вплинули на внутрішній та промисловий дизайн на міжнародному рівні.

Малюнок 1.26 Будівля Баугауса в Дессау, Німеччина, (суспільне надбання, «Mewes»)

Громади можуть нагадувати громадянам про суспільні чесноти, вшановуючи пам'ять людей, які проявили ці якості в пам'ятках. З давніх часів вони зазвичай представляли собою статуї таких осіб, розміщені на постаментах, колони або всередині архітектури. Кінна статуя Бартоломео Коллеоні Андреа дель Верроккіо (1435-1488, Італія) є хорошим прикладом такого типу пам'ятника. (Малюнок 1.27) Створена для міста Венеція, Італія, під час італійського Відродження скульптура Коллеоні на коні показує його як сміливого і переможного воїна, яким він був. Але Міщани Кале Огюста Родена (1840-1917, Франція) та Меморіал війни у В'єтнамі Майя Лін (нар. 1959, США) - це пам'ятники, які порушують цю давню норму. Роден розмістив міщан, або провідних громадян, на рівні землі, щоб олюднювати шістьох чоловіків, які пропонували себе як жертви, щоб врятувати своє місто; він зробив це для того, щоб довести їх внутрішню боротьбу до рівня очей глядача. (Малюнок 1.28) Меморіал Ліна знаходиться нижче рівня землі і відображає імена приблизно 58,000 американців, які загинули у війні у В'єтнамі. (Малюнок 1.29) Ці варіанти відображають переконання, що війна у В'єтнамі спочатку проводилася «під поверхнею», тобто невідомою більшості американців, і нагадують відвідувачам, що її вартість оплачували реальні особи, а не анонімні солдати. Ці два твори мистецтва є нетрадиційними та оригінальними за своєю концепцією та виконанням.

Малюнок 1.27 Колеоні на коні, Художник: Андреа дель Верроккіо, (CC BY-SA 3.0, «Waysider1925")

Малюнок 1.28 Міщани Кале, художник: Огюст Роден, (CC BY 3.0, «Razimantv»)

Малюнок 1.29 Меморіальна стіна ветеранів В'єтнаму, Художник: Майя Лін, (CC BY-SA 3.0, «Маріордо»)

З давніх часів фрески, картини на стіні створювалися як в громадських, так і в приватних місцях. Стародавні єгиптяни поєднували зображення з написанням у настінних розписах, щоб згадати минулих лідерів. Деякі з цих фресок були навмисно стерті, коли лідер випав з прихильності. Римські фрески частіше зустрічалися всередині будинків і храмів. Римська фреска, розташована в спальні вілли П.Фанніуса Синістора, була розкопана в Помпеях, Італія. (Рис. 1.30) На ній зображені ландшафтні та архітектурні види між рядом (розписних) колон, немов розглядаються зсередини вілли, або заміського будинку.

Малюнок 1.30 Cubiculum (спальня) з вілли П. Фанніуса Синістора в Boscoreale, Автор: Фонд Роджерса, (OASC, Музей Мет)

Таємна вечеря Леонардо да Вінчі (1452-1519, Італія, Франція) і стеля Сикстинської капели Мікеланджело (1475- 1564, Італія) - фрески з італійського Відродження. Вони створювалися для стіни в трапезній, або їдальні, монастиря (рис. 1.31) і для стелі каплиці Папи Римського. (Малюнок 1.32) Обидва зображують найважливіші сцени у вченні Католицької Церкви, провідної європейської релігійної та політичної організації того часу. Оскільки багато людей в той час були неграмотними, образи відігравали важливу роль у вихованні їх про свою релігійну історію та доктрини.

Малюнок 1.31 Таємна вечеря, художник: Леонардо да Вінчі, (Громадське надбання, «Тебрид»)

Малюнок 1.32 Стеля Сікстинської капели, Художник: Мікеланджело, Автор: Патрік Ленді, (CC BY 3.0)

Більш сучасні приклади фресок можна зустріти по всьому світу сьогодні. Дієго Рівера (1886-1967, Мексика) був всесвітньо відомим художником, який виконував масштабні фрески в Мексиці та США. Його фрески Detroit Industry складаються з двадцяти семи панелей, спочатку встановлених в Детройтському інституті мистецтв. (Рис. 1.33) Дві найбільші панелі зображують робітників, що виготовляють двигун V8 на заводі Ford Motor Company. Інші менші панелі демонструють досягнення науки, техніки та медицини, що беруть участь у сучасній промисловій культурі, зображуючи переконання Рівери в те, що концептуальне мислення та фізична праця взаємозалежні. Ці твори зараз вважаються національною пам'яткою. Велика стіна Лос-Анджелеса, розроблена Джудіт Бака (нар. 1946, США) і виконана сотнями членів громади висотою тринадцять футів і проходить більше півмилі через місто. (Велика стіна Лос-Анджелеса, Джудіт Бака: http://sparcinla.org/wp-content/uploads/2012/12/ great-wall_m.jpg) Її предметом є історія Південної Каліфорнії «як видно очима жінок і меншин» 6 Мурал є частиною більшого поштовху в Лос-Анджелесі, щоб прикрасити громадськість простори з фресками, які інформують і виховують населення.

Малюнок 1.33 Детройтська промисловість, Північна стіна, художник: Дієго Рівера, (Громадське надбання, «Cactus.man»)

Термін ікона походить від грецького слова eikon, або «бути схожим», і відноситься до зображення або подоби, які використовуються як керівництво до релігійного поклоніння. Святі фігури, зображені на іконі, вважають віруючими особливими силами зцілення або іншого позитивного впливу. Ікона також може бути людиною або річчю, яка символічно представляє якість або чесноту. Хорошим прикладом може служити образ святого Себастьяна. Святий Себастьян був капітаном римської гвардії, який прийняв християнство і був засуджений до смертної кари перед загоном лучників. (Рис. 1.34) Він пережив свої рани, і ранні християни приписували це чудо до сили своєї релігії. (Пізніше його забили камінням до смерті.) У пізньому середньовіччі під час широко поширеної в Європі чуми зображення святого Себастьяна регулярно замовляли для лікарень через легенду про його чудесне зцілення і надії на те, що зображення будуть цілющими.

Малюнок 1.34 Мучеництво Святого Себастьяна, художник: Джасінто Діана, (суспільне надбання)

Прикладом нерелігійної або світської ікони може бути бронзовий бюст відомого футбольного тренера Кнута Рокна в Університеті Нотр-Дам в Індіані. (Рис. 1.35) Ніс бронзової скульптури - яскраве золото, тому що багато хто вважає удачею його натирати, тому він отримує постійне полірування студентами перед іспитами.

Малюнок 1.35 Кнуте Рокне, Художник: Нісон Трегор, Автор: Метью Д. Брітт, (CC BY-SA-NC 3.0)

Ми лише коротко торкнулися питань, що таке мистецтво, хто такий художник, і чому люди роблять мистецтво. Історія показує нам, що люди по-різному визначали мистецтво та художників у різні часи та місця, але що люди скрізь роблять мистецтво з різних причин. І ці арт-об'єкти мають спільну мету: всі вони покликані висловити почуття чи ідею, яка цінується або окремим художником, або більшою спільнотою.