Skip to main content
LibreTexts - Ukrayinska

19.5: Високе Відродження

  1. Last updated
  2. Save as PDF
  • Page ID
    40198

    • \( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \) \( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)\(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)

    Високе Відродження

    Високе Відродження відноситься до короткого періоду виняткового художнього виробництва в італійських державах.

    Цілі навчання

    Охарактеризуйте різні періоди та характерні стилі італійського мистецтва XVI століття

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Багато мистецтвознавці вважають Високе Відродження значною мірою переважають три особистості: Мікеланджело, Рафаель і Леонардо да Вінчі.
    • Маньєризм, що виник в останні роки італійського Високого Відродження, відрізняється своєю інтелектуальною вишуканістю та штучними (на відміну від натуралістичних) якостей, такими як подовжені пропорції, стилізовані пози та відсутність чіткої перспективи.
    • Деякі історики розглядають маньєризм як виродження класицизму високого ренесансу або навіть як інтермедію між високим ренесансом та бароко - у цьому випадку дати, як правило, з 1520 по 1600 рік, і це вважається позитивним стилем завершеним сам по собі.

    Ключові умови

    • Високе Відродження: Період в історії мистецтва, що позначає апогей образотворчого мистецтва в італійському Відродженні. Період високого Відродження традиційно прийнято починати в 1490-х роках, з фрескою Леонардо Таємної вечері в Мілані і смерті Лоренцо де Медічі у Флоренції, і закінчився в 1527 році, з мішком Риму військами Карла V.
    • Маньєризм: Стиль мистецтва, розроблений наприкінці Високого Відродження, характеризується навмисним спотворенням і перебільшенням перспективи, особливо подовженням фігур.

    Мистецтво високого ренесансу

    Мистецтво високого ренесансу було домінуючим стилем в Італії протягом 16 століття. Маньєризм також розвивався в цей період. Період Високого Відродження традиційно прийнято починати в 1490-х роках, з фрески Леонардо Таємна вечеря в Мілані, і закінчується в 1527 році, з мішком Риму військами Карла V. Цей термін вперше був використаний німецькою мовою («Хохренесанс») на початку 19 століття. Протягом останніх 20 років використання цього терміна часто критикувалося академічними мистецтвознавцями за надмірне спрощення мистецьких розробок, ігнорування історичного контексту та зосередження уваги лише на кількох знакових роботах.

    Мистецтво високого Відродження вважається «Високим», оскільки воно розглядається як період, в якому художні цілі та цілі епохи Відродження досягли свого найбільшого застосування. Мистецтво високого ренесансу характеризується посиланнями на класичне мистецтво та делікатне застосування розробок раннього Відродження (таких як точкова перспектива). Загалом, роботи з Високого Відродження демонструють стриману красу, де всі частини підпорядковані згуртованій композиції цілого.

    Багато хто вважає мистецтво Високого Відродження 16 століття значною мірою переважають три особистості: Мікеланджело, Рафаель і Леонардо да Вінчі. Мікеланджело відзначився як художник, архітектор і скульптор і продемонстрував майстерність зображення людської фігури. Його фрески зараховують до числа найбільших творів мистецтва епохи Відродження. Рафаель був майстерним у створенні перспективи і в делікатному використанні кольору. Леонардо да Вінчі намалював два найвідоміші твори мистецтва епохи Відродження: «Таємна вечеря» та «Мона Ліза». Леонардо да Вінчі був на покоління старше Мікеланджело і Рафаеля, але його творчість стилістично відповідає Високому Відродженню.

    зображення

    Таємна вечеря, 1495—1498, Леонардо да Вінчі

    Маньєризм

    Маньєризм - це художній стиль, який виник з пізніших років 16 століття і проіснував як популярний естетичний стиль в Італії приблизно до 1580 року, коли бароко почало його замінювати (хоча північний маньєризм продовжувався на початку 17 століття на всій більшій частині Європи). Пізніші роботи Мікеланджело, такі як «Страшний суд на вівтарній стіні Сикстинської капели» та «Лаврентійська бібліотека», деякі мистецтвознавці вважають маньєристським стилем.

    зображення

    Страшний Суд, 1536-1541, Мікеланджело

    Деякі історики розглядають маньєризм як виродження класицизму високого ренесансу або навіть як інтермедію між Високим Відродженням і Бароком - і в цьому випадку дати, як правило, від c. 1520 до 1600, і це вважається позитивним стилем завершеним сам по собі. Визначення маньєризму та фази всередині нього продовжують залишатися предметом дискусій серед мистецтвознавців. Наприклад, деякі вчені застосовували етикетку до певних ранньосучасних форм літератури (особливо поезії) і музики 16-17 століть. Термін також використовується для позначення деяких художників пізньої готики, що працюють у північній Європі приблизно з 1500 до 1530, особливо Антверпенські маньєристи, група, не пов'язана з італійським рухом. Маньєристське мистецтво характеризується витягнутими формами, викривленими позами та ірраціональними налаштуваннями.

    Живопис у Високому Відродженні

    Термін «Високе Відродження» позначає період художнього виробництва, який мистецтвознавці розглядають як висоту, або кульмінацію періоду Відродження.

    Цілі навчання

    Охарактеризуйте ключові фактори, що сприяли розвитку живопису Високого Відродження та стилістичні особливості періоду

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Високе Відродження було зосереджено в Римі, і тривало приблизно з 1490 по 1527 рік, кінець періоду, позначений Мішком Риму.
    • Стримана краса живопису Високого Відродження створюється тоді, коли всі частини і деталі твору підтримують згуртоване ціле.
    • Яскравим прикладом живопису Високого Відродження є Афінська школа Рафаеля.

    Ключові умови

    • Високе Відродження: Період художнього виробництва, який історики мистецтва розглядають як висоту або кульмінацію періоду Відродження. Період датується 1490—1527 роками.

    Високе Відродження

    Термін «Високе Відродження» позначає період художнього виробництва, який мистецтвознавці розглядають як висоту, або кульмінацію періоду Відродження. Художники, такі як Леонардо да Вінчі, Мікеланджело та Рафаель, вважаються художниками Високого Відродження. Хоча термін став суперечливим, деякі вчені стверджують, що він спрощує мистецькі розробки та історичний контекст, важко ігнорувати роботи цих художників Високого Відродження, оскільки вони залишаються такими знаковими навіть у 21 столітті.

    Стиль високого ренесансу

    Високе Відродження було зосереджено в Римі, і тривало приблизно з 1490 по 1527 рік, з кінцем періоду, позначеного Мішком Риму. Стилістично художники в цей період відчували вплив класичного мистецтва, а їх роботи були гармонійними. Стримана краса живопису Високого Відродження створюється тоді, коли всі частини і деталі твору підтримують згуртоване ціле. Хоча раніше художники епохи Відродження підкреслювали перспективу роботи або технічні аспекти картини, художники Високого Відродження були готові пожертвувати технічними принципами, щоб створити більш красиве, гармонійне ціле. Фактори, що сприяли розвитку живопису Високого Відродження, були двоякі. Традиційно італійські художники малювали темперною фарбою. Під час Високого Відродження художники стали використовувати олійні фарби, якими легше маніпулювати і дозволяють художнику створювати більш м'які форми. Додатково збільшилася кількість і різноманітність меценатів, що дозволило досягти більшого розвитку в мистецтві.

    Якщо Рим був центром Високого Відродження, то його найбільшим покровителем був папа Юлій II. Будучи покровителем мистецтв, Папа Юлій II підтримував багатьох важливих художників, включаючи Мікеланджело і Рафаеля. Яскравим прикладом живопису Високого Відродження є Афінська школа Рафаеля.

    Ця фреска зображує зал із зібранням понад двадцяти філософів.

    Школа Афін, Рафаель, 1509—1511: Афінська школа, намальована Рафаелем між 1509 і 1511 роками, представляє стиль живопису високого ренесансу, який був зосереджений у Римі в цей період.

    Рафаель був замовлений Папою Юлієм II для відновлення житлового простору Папи Римського в Римі. В рамках цього проекту Рафаеля попросили малювати в бібліотеці Папи Римського, або Stanza della Segnatura. Школа Афін є однією з фресок в цьому залі. Фреска являє собою предмет філософії і послідовно вказується як на втілення живопису Високого Відродження. Робота демонструє багато ключових моментів стилю Високого Відродження; посилання на класичну старовину мають першорядне значення, оскільки Платон і Аристотель є центральними фігурами цього твору. Існує чітка точка зникнення, демонструючи команду Рафаеля технічними аспектами, які були настільки важливими в живописі епохи Відродження. Але перш за все, численні фігури в творі демонструють стриману красу і служать підтримкою гармонійної, згуртованої роботи. У той час як фігури різноманітні і динамічні, ніщо не служить для того, щоб применшити картину в цілому.

    Скульптура в епоху Високого Відродження

    Скульптура в епоху Високого Відродження демонструє вплив класичної старовини і ідеального натуралізму.

    Цілі навчання

    Опишіть характеристики скульптури високого ренесансу

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Скульптори під час Високого Відродження навмисно цитували класичні прецеденти і прагнули до ідеального натуралізму в своїх роботах.
    • Мікеланджело (1475—1564) є яскравим прикладом скульптора в епоху Відродження, його роботи найкраще демонструють цілі та ідеали скульптора Високого Відродження.

    У епоху Відродження художник був не просто живописець, або архітектор, або скульптор. Їх, як правило, було все три. В результаті ми бачимо однакові видатні імена, що виробляють скульптуру та великі картини епохи Відродження. Крім того, теми та цілі скульптури Високого Відродження дуже збігаються з живописом Високого Відродження. Скульптори під час Високого Відродження навмисно цитували класичні прецеденти і прагнули до ідеального натуралізму в своїх роботах. Мікеланджело (1475—1564) є яскравим прикладом скульптора в епоху Відродження, його роботи найкраще демонструють цілі та ідеали скульптора Високого Відродження.

    Бахус

    Бахус - це перша записана комісія Мікеланджело в Римі. Робота виконана з мармуру, вона в натуральну величину, і вона вирізана в круглі. Скульптура - бога вина, який тримає чашку і з'являється п'яним. Посилання на класичну античність чіткі в темі, а тіло бога засноване на Аполлоні-Бельведере, який Мікеланджело бачив би, перебуваючи в Римі. Не тільки на предмет впливає античність, але й художні впливи.

    зображення

    Бахус Мікеланджело, 1496—97: Бахус - перша записана комісія Мікеланджело в Римі. Статуя наочно демонструє класичне вплив, яке стало настільки важливим для скульпторів під час Високого Відродження.

    П'єта

    Хоча П'єта не базується на класичній античності в предметі, форми демонструють стриману красу та ідеальний натуралізм, на який вплинула класична скульптура. На замовлення французького кардинала для його гробниці в Старому Святому Петрі, саме робота зробила репутацію Мікеланджело. Тематика Діви колиски Христа після розп'яття була рідкістю в італійському Відродженні, вказуючи на те, що вона була обрана покровителем.

    зображення

    П'єта Мікеланджело, 1498—9: Ця робота Мікеланджело демонструє класичну красу та ідеалізм, що характеризують скульптури Високого Відродження.

    Девід

    Коли Давид був завершений, він мав бути контрфорсом на звороті флорентійського собору. Але флорентійці за цей час визнали її настільки особливою і красивою, що насправді мали зустріч про те, де розмістити скульптуру. Учасники групи, що зустрілися, включали художників Леонардо да Вінчі і Боттічеллі. Як щодо цього твору вона настільки ефектно виділилася для однолітків Мікеланджело? Робота демонструє класичний вплив. Робота оголена, в наслідуванні грецької та римської скульптур, а Давид стоїть у позі контраппосто. Він демонструє стриману красу і ідеальний натуралізм. Крім того, робота демонструє інтерес до психології, яка була новою для Високого Відродження, оскільки Мікеланджело зображує Девіда, зосереджуючись у моменти, перш ніж він зніме гіганта. Тематика також була дуже особливою для Флоренції, оскільки Давид традиційно був громадянським символом. Робота була в кінцевому підсумку розміщена в Палаццо Веккьо і залишається яскравим прикладом скульптури Високого Відродження.

    зображення

    Давид Мікеланджело, c.1504: Ця робота Мікеланджело залишається яскравим прикладом скульптури високого Відродження.

    Архітектура в епоху Високого Відродження

    Архітектура часів Високого Відродження являє собою кульмінацію архітектурних розробок, які були зроблені в епоху Відродження.

    Цілі навчання

    Охарактеризуйте важливих архітекторів Високого Відродження та їх досягнення

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Відродження ділиться на раннє Відродження (c. 1400—1490) та Високе Відродження (c. 1490—1527).
    • Під час Раннього Відродження розроблялися теорії про мистецтво, були зроблені нові досягнення в живописі і архітектурі, визначено стиль. Високе Відродження позначає період, який розглядається як кульмінація періоду Відродження.
    • Архітектура епохи Відродження характеризується симетрією і пропорцією, і безпосередньо впливає вивчення старовини.
    • Найбільш представницькими архітекторами Високого Відродження є Донато Браманте (1444—1514) та Андреа Палладіо (1508—1580).

    Відродження ділиться на раннє Відродження (c. 1400—1490) та Високе Відродження (c. 1490—1527). Під час Раннього Відродження розроблялися теорії про мистецтво, були зроблені нові досягнення в живописі і архітектурі, визначено стиль. Високе Відродження позначає період, який розглядається як кульмінація періоду Відродження, коли художники та архітектори реалізували ці ідеї та художні принципи гармонійно і красиво.

    Архітектура епохи Відродження характеризується симетрією і пропорцією, і безпосередньо впливає вивчення старовини. Хоча архітектура Ренесансу визначалася в ранньому Відродженні такими діячами, як Філіппо Брунеллескі (1377—1446) та Леон Баттіста Альберті (1404—1472), архітекторами, найбільш представницькими епохи Високого Відродження, є Донато Браманте (1444—1514) та Андреа Палладіо (1508—1580).

    Донато Браманте

    Ключовою фігурою римської архітектури в епоху Високого Відродження був Донато Браманте (1444—1514 рр.). Браманте народився в Урбіно і вперше став відомим архітектором в Мілані перед поїздкою до Риму. У Римі Фердинанд та Ізабелла замовили Браманте спроектувати Темпіетто, храм, який відзначає те, що вважалося точним місцем, де святий Петро був мученицький. Храм круглий, схожий на ранньохристиянські мученики, і значна частина конструкції натхненна останками стародавнього храму Вести.

    Багато вчених вважають Темпіетто головним прикладом архітектури високого ренесансу. З його ідеальними пропорціями, гармонією його частин і прямими посиланнями на стародавню архітектуру, Темпіетто втілює епоху Відродження. Ця структура була описана як «візитна картка» Браманте Папи Юлія II, важливого покровителя мистецтв Відродження, який потім використовував Браманте в історичному дизайні нової базиліки Святого Петра.

    Храм круглий зі стовпами і блакитним куполом.

    Tempietto, c.1502, Рим, Італія: Розроблений Донато Браманте, Темпіетто вважається головним прикладом архітектури високого ренесансу.

    Андреа Палладіо

    Андреа Палладіо (1508—1580) був головним архітектором Венеціанської республіки у 16 столітті. Глибоко натхненний римською та грецькою архітектурою, Палладіо широко вважається однією з найвпливовіших особистостей в історії західної архітектури. Всі його будівлі розташовані в тому, що була Венеціанська республіка, але його вчення, узагальнені в архітектурному трактаті «Чотири книги архітектури», отримали йому широке визнання за межами Італії. Архітектура Палладія, названа на його честь, дотримувалася класичних римських принципів, які Палладіо заново відкрив, застосував і пояснив у своїх роботах. Палладіо спроектував безліч палаців, вілл і церков, але його репутація була заснована на його майстерності дизайнера вілл. Вілли Палладіана розташовані в основному в провінції Віченца.

    Вілли

    Палладіо створив впливовий новий будівельний формат для сільськогосподарських вілл венеціанської аристократії. Його конструкції базувалися на практичності і використовували менше рельєфів. Він об'єднав різні автономні господарські будівлі в єдину вражаючу структуру і влаштував у вигляді високоорганізованого цілого, де переважають сильний центр і симетричні бічні крила, як показано на Villa Barbaro. Конфігурація вілли Палладіана часто складається з централізованого блоку, піднятого на піднесеному подіумі, до якого можна дістатися грандіозними сходами і оточений нижчими службовими крилами. Цей формат, з кварталами власника в піднесеному центрі власного світу, знайшов резонанс як прототип для італійських вілл, а пізніше і для заміських маєтків британської знаті. Палладіо розробив свій власний більш гнучкий прототип для планування вілл з помірним масштабом і функціональністю.

    зображення

    Вілла Барбаро: Фронт вілли Барбаро в Мазері, провінція Тревізо, Італія, побудований Андреа Палладіо між 1554 і 1560 роками для братів Даніеле і Маркантоніо Барбаро.

    Леонардо да Вінчі

    Хоча Леонардо да Вінчі захоплюється як вчений, академік та винахідник, він найвідоміший своїми досягненнями як художник кількох шедеврів епохи Відродження.

    Цілі навчання

    Опишіть роботи Леонардо да Вінчі, які демонструють його найбільш інноваційні прийоми як художника

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Серед якостей, які роблять творчість да Вінчі унікальною, - інноваційні прийоми, які він використовував при укладанні фарби, його детальні знання анатомії, його інноваційне використання людської форми в образному складі та використання сфумато.
    • Серед найвідоміших робіт, створених да Вінчі, є невеликий портрет під назвою «Мона Ліза», відомий невловимою посмішкою на обличчі жінки, спричиненою тим, що да Вінчі тонко затінював куточки рота та очей, так що точну природу посмішки неможливо визначити.
    • Незважаючи на свої знамениті картини, да Вінчі не був плідним художником; він був плідним малювальником, зберігаючи журнали, наповнені дрібними ескізами та детальними малюнками, записуючи всілякі речі, які його зацікавили.

    Ключові умови

    • sfumato: Під час живопису нанесення тонких шарів напівпрозорої фарби, щоб не було видимого переходу між кольорами, тонами та часто предметами.

    Хоча Леонардо да Вінчі дуже захоплюється як вчений, академік та винахідник, він найвідоміший своїми досягненнями як художник кількох шедеврів епохи Відродження. Його картини були новаторськими з різних причин, а його роботи були наслідувані студентами і дуже довго обговорювалися знавцями та критиками.

    Серед якостей, які роблять творчість да Вінчі унікальною, - інноваційні прийоми, які він використовував при укладанні на фарбу, його детальні знання анатомії, використання людської форми в образній композиції та використання сфумато. Всі ці якості присутні в його найвідоміших творах, «Мона Ліза», «Таємна вечеря» і «Діва скелі».

    зображення

    Діва Скелі, Леонардо да Вінчі, 1483—1486: На цій картині зображено Мадонну та немовля Ісуса з немовлям Іоанном Хрестителем та ангелом у скелястій обстановці.

    Таємна вечеря

    Найвідоміша картина да Вінчі 1490-х років - «Таємна вечеря», яка була написана для трапезної монастиря Санта-Марія-делла-Граціє в Мілані. Картина зображує останню трапезу, яку поділили Ісус і 12 апостолів, де він оголошує, що один з них зрадить його. Закінчивши, картина отримала визнання як шедевр дизайну. Ця робота демонструє те, що да Вінчі зробив дуже добре: взявши дуже традиційну тему, таку як Таємна вечеря, і повністю її винахід.

    До цього моменту в історії мистецтва кожне зображення Таємної вечері дотримувалося тієї ж візуальної традиції: Ісус і апостоли сиділи за столом. Іуда розміщується на протилежному боці столу всіх інших і без особливих зусиль ідентифікується глядачем. Коли да Вінчі намалював «Таємну вечерю», він помістив Іуду на ту саму сторону столу, що й Христос і апостоли, яким показано, що реагують на Ісуса, коли він оголошує, що один із них зрадить його. Вони зображуються як стривожені, засмучені, так і намагаються визначити, хто буде вчиняти вчинок. Глядачеві також належить визначити, якою фігурою є Іуда, який зрадить Христа. Зобразивши сцену таким чином, да Вінчі влив психологію в роботу.

    На жаль, цей шедевр епохи Відродження почав псуватися відразу після того, як да Вінчі закінчив живопис, багато в чому завдяки тій техніці живопису, яку він вибрав. Замість того, щоб використовувати техніку фрески, да Вінчі використовував темперу над землею, яка була головним чином лессо, намагаючись принести тонкі ефекти олійної фарби на фреску. Його нова техніка не була успішною, і призвела до поверхні, яка була схильна до цвілі та лущення.

    зображення

    Таємна вечеря: Таємна вечеря Леонардо да Вінчі, хоча і значно погіршилася, демонструє майстерність живописця людської форми в образному творі.

    Мона Ліза

    Серед творів, створених да Вінчі в 16 столітті, є невеликий портрет, відомий як Мона Ліза, або Ла Джоконда, «сміється». У сучасну епоху це, мабуть, найвідоміша живопис у світі. Його слава полягає, зокрема, на невловимій посмішці на обличчі жінки - її таємнича якість викликана, можливо, тим, що художник тонко затінював куточки рота та очей, так що точну природу посмішки неможливо визначити.

    Тіньова якість, за яку славиться робота, отримала назву сфумато, нанесення тонких шарів напівпрозорої фарби, щоб не було видимого переходу між кольорами, тонами та часто предметами. Інші характеристики, знайдені в цій роботі, - це неприкрашене плаття, в якому очі і руки не мають конкуренції з іншими деталями; драматичний ландшафтний фон, в якому світ, здається, знаходиться в стані потоку; приглушене забарвлення; і надзвичайно гладкий характер живописної техніки, використовуючи масла, але наносяться так само, як темпера і змішуються на поверхні, так що мазки пензля не відрізняються. І знову, да Вінчі впроваджує інновації в тип живопису тут. Портрети були дуже поширені в епоху Відродження. Однак портрети жінок завжди були в профілі, що розглядалося як належне і скромне. Тут да Вінчі представляє портрет жінки, яка не тільки стикається з глядачем, але й стежить за ними очима.

    зображення

    Мона Ліза: У Моні Лізі да Вінчі включає свою техніку сфумато, щоб створити тіньову якість.

    Діва з немовлям зі святою Анною

    У картині Діва з немовлям зі святою Анною композиція да Вінчі знову підхоплює тему фігур в пейзажі. Що робить цю картину незвичайною, так це те, що накладаються дві похило поставлені фігури. Мері сидить на коліні своєї матері, святої Анни. Вона нахиляється вперед, щоб стримати Дитину Христа, коли він грубо грає з ягнцем, знаком його власної майбутньої жертви. Ця картина вплинула на багатьох сучасників, включаючи Мікеланджело, Рафаеля, Андреа дель Сарто. Тенденції в його складі взяли на озброєння, зокрема, венеціанські художники Тінторетто і Веронезе.

    зображення

    Діва з немовлям із святою Анною: Діва з немовлям із святою Анною (бл. 1510) Леонардо да Вінчі, Лувр.

    Рафаель

    Рафаель був італійським художником і архітектором епохи Відродження, творчість якого захоплюється своєю чіткістю форми і легкістю композиції.

    Цілі навчання

    Обговоріть вплив Рафаеля та мистецькі досягнення

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Разом з Мікеланджело і Леонардо да Вінчі Рафаель утворює традиційну трійцю великих майстрів Високого Відродження. Він був надзвичайно продуктивним, керував надзвичайно великою майстернею, і, незважаючи на свою смерть у 30 років, у нього був великий обсяг роботи.
    • Деякі з найяскравіших художніх впливів Рафаеля походять від картин Леонардо да Вінчі; через це натхнення Рафаель надавав своїм фігурам більш динамічні та складні позиції в своїх ранніх композиціях.
    • Шедеври Рафаеля «Станзе» - це дуже великі і складні композиції, які були розглянуті серед верховних творів Високого Відродження. Вони дають високо ідеалізоване зображення представлених форм, а композиції, хоч і дуже ретельно продумані в малюнках, досягають sprezzatura, мистецтво виконання завдання настільки витончено виглядає без зусиль.

    Ключові умови

    • Спрезатура:Мистецтво виконувати складне завдання настільки витончено, що це виглядає без зусиль.
    • Лоджія:дахована, відкрита галерея.
    • контраппост:положення фігури, стегна і ноги якої викручені в сторону від напрямку голови і плечей.

    Огляд

    Рафаель (1483—1520) — італійський живописець і архітектор Високого Відродження. Його творчість захоплюється чіткістю форми і легкістю композиції, а також візуальним досягненням неоплатонічного ідеалу людської величі. Разом з Мікеланджело і Леонардо да Вінчі Рафаель утворює традиційну трійцю великих майстрів того періоду. Він був надзвичайно продуктивним, керуючи надзвичайно великою майстернею; незважаючи на його смерть у 30 років, велика частина його творів залишається однією з найвідоміших мистецтв Високого Відродження.

    Впливи

    Деякі з найяскравіших художніх впливів Рафаеля походять від картин Леонардо да Вінчі. У відповідь на роботу да Вінчі, в деяких більш ранніх композиціях Рафаеля він надавав своїм фігурам більш динамічні і складні позиції. Наприклад, свята Катерина Олександрійська Рафаеля (1507) запозичує з контраппосто пози «Леди і лебеді» да Вінчі.

    На цій картині Катерина Олександрійська дивиться вгору в екстазі і спирається на колесо.

    Свята Катерина Олександрійська: Свята Катерина Олександрійська (1507) запозичує з контраппосто пози Леди да Вінчі.

    У той час як Рафаель також був обізнаний про твори Мікеланджело, він відхиляється від свого стилю. У своєму Відкладення Христа Рафаель спирається на класичні саркофаги, щоб поширити фігури по передній частині простору картини в складному і не зовсім вдалому розташуванні.

    зображення

    Відкладення Рафаеля, 1507: Ця картина зображує тіло Христа, яке переноситься, і жінка, яка втрачає непритомність.

    Кімнати Stanze та лоджія

    У 1511 році Рафаель почав роботу над знаменитими картинами Штанце, які зробили приголомшливий вплив на римське мистецтво, і взагалі вважаються його найбільшими шедеврами. Stanza della Segnatura містить Афінську школу, Поезія, Дискусія, і закон. Школа Афін, що зображує Платона і Аристотеля, є одним з найвідоміших його творів. Ці дуже великі і складні композиції з тих пір розглядалися як серед вищих творів Високого Відродження, так і «класичного мистецтва» постантичного Заходу. Вони дають високо ідеалізоване зображення представлених форм, а композиції - хоча і дуже ретельно продумані в малюнках—досягти sprezzatura, термін, винайдений другом Рафаеля Кастільйоне, який визначив його як «певну безтурботність, яка приховує весь артистизм і робить все, що говорить або здається ненадуманим і легким».

    Зображення Stanze della Segnatura з хитромудрим підлогою на передньому плані.

    Вид на Stanze della Segnatura, фрески, написані Рафаелем

    На пізній фазі кар'єри Рафаеля він спроектував і намалював лоджію у Ватикані, довгу тонку галерею, яка була відкрита для внутрішнього двору з одного боку і прикрашена гроттешем римського стилю. Він також випустив ряд значущих вівтарів, в тому числі Екстаз Святої Сесілії і Сикстинської Мадонни. Його остання робота, над якою він працював до самої смерті, була велика Преображення, яке разом з Іл Спасімо показує напрямок, який його мистецтво займало в останні роки, стаючи більш прото-бароко, ніж маньєрист.

    Майстерська майстерня

    Рафаель керував майстернею з понад 50 учнів і асистентів, багато з яких згодом стали значними художниками в своєму власному праві. Це була, мабуть, найбільша команда майстерні, зібрана під будь-якого старого майстра-художника, і набагато вище норми. Вони включали встановлених майстрів з інших частин Італії, ймовірно, працювали зі своїми командами як субпідрядники, а також учні та майстри.

    Архітектура

    В архітектурі навички Рафаеля використовувалися папством і багатими римськими дворянами. Наприклад, Рафаель розробив плани вілли Мадам, яка повинна була бути щедрим відступом на схилі пагорба для Папи Климента VII (і ніколи не був закінчений). Навіть неповна, схема Рафаеля була найвишуканішим дизайном вілли, який ще бачив в Італії, і дуже вплинув на подальший розвиток жанру. Це також здається єдиною сучасною будівлею в Римі, з якого Палладіо зробив розмірене креслення.

    Креслювальник

    Рафаель був одним з кращих малювальників в історії західного мистецтва, і широко використовував малюнки для планування своїх композицій. На думку околосучасника, коли починав планувати композицію, він викладав велику кількість своїх запасних малюнків на підлозі, і починав малювати «стрімко», запозичуючи фігури звідси і звідти. Більше 40 ескізів виживають для Disputa в Stanze, і цілком може бути набагато більше спочатку (понад 400 аркушів збереглося взагалі).

    Як свідчать його ескізи до Мадонни з немовлям, Рафаель використовував різні малюнки для уточнення своїх поз і композицій, мабуть, більшою мірою, ніж більшість інших художників. Більшість малюнків Рафаеля досить точні - навіть початкові ескізи з оголеними контурними фігурами ретельно промальовані, а пізніші малюнки часто мають високий ступінь обробки, з затіненням, а іноді і виділеннями білим кольором. Їм не вистачає свободи та енергії деяких ескізів да Вінчі та Мікеланджело, але майже завжди дуже задовольняють естетично.

    зображення

    Рафаель Ескіз: Цей малюнок показує зусилля Рафаеля у розробці композиції для Мадонни з немовлям.

    Мікеланджело

    Мікеланджело був флорентійським художником 16 століття, відомим своїми шедеврами в галузі скульптури, живопису та архітектурного дизайну.

    Цілі навчання

    Обговорити досягнення Мікеланджело в скульптурі, живописі та архітектурі

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Мікеланджело створив свою колосальну мармурову статую Давида з єдиного блоку мармуру, що встановило його популярність як скульптора надзвичайної технічної майстерності та сили символічної уяви.
    • У живописі Мікеланджело славиться стелею і Страшним судом Сикстинської капели, де він зобразив складну схему, що представляє Створення, падіння людини, спасіння людини і Генеалогію Христа.
    • Головним внеском Мікеланджело в базиліку Святого Петра було використання грецького хреста форми і зовнішньої кладки масивних пропорцій, причому кожен кут заповнений сходовою кліткою або невеликою верхівкою. Ефект являє собою суцільну стінну поверхню, яка виглядає тріщиною або складчастою під різними кутами.

    Ключові умови

    • контраппост: положення стоячи людської фігури, де більша частина ваги розміщується на одній нозі, а інша нога розслаблена. Ефект контраппосто в мистецтві змушує фігури виглядати дуже натуралістично.
    • Сикстинська капела: найвідоміша каплиця в Апостольському палаці.

    Мікеланджело був флорентійським художником 16 століття, відомим своїми шедеврами в галузі скульптури, живопису та архітектурного дизайну. Найвідоміші його твори - «Давид», «Страшний суд» і базиліка Святого Петра у Ватикані.

    Скульптура: Девід

    У 1504 році Мікеланджело було доручено створити колосальну мармурову статую, що зображує Давида як символ флорентійської свободи. Наступний шедевр, Давид, встановив видатність художника як скульптора надзвичайної технічної майстерності та сили символічної уяви. Давид був створений з єдиного мармурового блоку, і стоїть більше життя, так як спочатку призначався для прикраси Флорентійського собору. Твір відрізняється від попередніх уявлень тим, що біблійний герой не зображений з головою убитого Голіафа, як він знаходиться в статуях Донателло і Верроккіо; обидва представляли героя, що стоїть переможцем над головою Голіафа. Жоден раніше флорентійський художник не опускав гіганта взагалі. Замість того, щоб з'являтися переможцем над ворогом, обличчя Давида виглядає напруженим і готовим до бою. Сухожилля на шиї виділяються нав'язливо, лоб борознений, а очі ніби пильно зосереджуються на чомусь вдалині. З опущеної правої руки вени випирають, але його тіло знаходиться в розслабленій позі контраппосто, і він несе свій слінг, недбало перекинутий через ліве плече. В епоху Відродження пози контраппосто вважалися відмінною рисою античної скульптури.

    зображення

    Давид Мікеланджело, 1504: Давид Мікеланджело стоїть у позі контраппосто.

    Скульптура мала бути розміщена на екстер'єрі Дуомо, і стала одним з найбільш визнаних творів скульптури епохи Відродження.

    Живопис: Страшний суд

    У живописі Мікеланджело славиться своїми роботами в Сикстинській капелі. Спочатку йому було доручено пофарбувати тромп-l'oeil казну після того, як оригінальна стеля розвинулася тріщина. Мікеланджело лобіював іншу і більш складну схему, представляючи Творіння, падіння людини, Обіцянку спасіння через пророків і Генеалогію Христа. Робота є частиною більшої схеми прикраси всередині каплиці, яка представляє значну частину вчення католицької церкви.

    Зрештою композиція містила понад 300 фігур і мала в центрі дев'ять епізодів з Книги Буття, розділених на три групи: Боже Творіння Землі, Боже Творіння Людства, і їх падіння з Божої благодаті, і, нарешті, стан Людства в особі Ноя та його сім'ї. Дванадцять чоловіків і жінок, які пророкували пришестя Ісуса, намальовані на підвісках, що підтримують стелю. Серед найвідоміших картин на стелі - «Створення Адама, Адама і Єви в Едемському саду», «Великий потоп», Пророк Ісая і кумейська Сивіла. Предки Христа розписані навколо вікон.

    Фреска Страшного суду на вівтарній стіні Сикстинської капели була замовлена Папою Климентом VII, а Мікеланджело працював над проектом з 1536—1541 рр. Робота розташована на вівтарній стіні Сикстинської капели, яка не є традиційним місцем для предмета. Зазвичай сцени останнього суду розміщувалися на вихідній стіні церков як спосіб нагадувати глядачеві про вічні покарання, коли вони залишали богослужіння. Страшний Суд - це зображення другого пришестя Христа і апокаліпсису; де душі людства піднімаються і віднесені до їх різних долі, як судив Христос, в оточенні Святих. На відміну від більш ранніх фігур Мікеланджело, намальованих на стелі, фігури в «Страшному суді» сильно мускулисті і знаходяться в набагато більш штучних позах, демонструючи, як ця робота в маньєристському стилі.

    У цьому творі Мікеланджело відкинув впорядковане зображення останнього суду, встановленого середньовічною традицією на користь закрученої сцени хаосу, коли кожен дух судять. Коли картина була розкрита, її сильно критикували за включення класичних образів, а також за кількість оголених фігур у дещо сугестивних позах. Невдалий прийом, який отримана робота може бути прив'язана до Контрреформації та Ради Трента, які призводять до переваги більш консервативного релігійного мистецтва, позбавленого класичних посилань. Хоча ряд фігур був зроблений скромніше з додаванням драпірування, зміни були внесені лише після смерті Мікеланджело, демонструючи повагу і захоплення, які були йому дозволені за життя.

    зображення

    Страшний суд: Фреска Страшного суду на вівтарній стіні Сикстинської капели була замовлена Папою Климентом VII. Мікеланджело працював над проектом з 1534—1541 рр.

    Архітектура: Базиліка Святого Петра

    Нарешті, хоча інші архітектори були залучені, Мікеланджело віддається заслуга за проектування базиліки Святого Петра. Головним внеском Мікеланджело було використання симетричного плану грецької форми хреста та зовнішньої кладки масивних пропорцій, причому кожен кут заповнений сходовою кліткою або невеликою вестирою. Ефект має суцільну поверхню стіни, яка складається або зламана під різними кутами, не маючи прямих кутів, які зазвичай визначають зміну напрямку в кутах будівлі. Цей зовнішній вигляд оточений гігантським орденом коринфських пілястрів, які всі встановлені під дещо різними кутами один до одного, відповідно до постійно мінливих кутів поверхні стіни. Над ними величезний карниз рябить суцільною смугою, надаючи вигляд утримуючи всю будівлю в стані стиснення.

    зображення

    Базиліка Святого Петра: Мікеланджело спроектував купол базиліки Святого Петра на або до 1564 року, хоча він був недобудованим, коли він помер.

    Венеціанські художники Високого Відродження

    Джорджоне, Тіціан і Веронезе були видатними венеціанськими художниками Високого Відродження.

    Цілі навчання

    Узагальнити вплив картин Джорджоне, Тіціана та Веронезе на мистецтво венеціанського Високого Відродження

    Ключові виноси

    Ключові моменти

    • Венеціанські художники високого Відродження Джорджоне, Тіціан та Веронезе використовували нові техніки кольору, гами та композиції, які встановили їх як відомих художників на північ від Риму.
    • Зокрема, ці три художники слідували перевазі венеціанської школи кольору над disegno.
    • Джорджіо Барбареллі да Каслфранко, відомий як Джорджоне (c. 1477—1510), є художником, який мав значний вплив на венеціанське Високе Відродження. Джорджоне першим малював олією на полотні.
    • Тіціано Вечеллі, або Тіціан (1490—1576), був, мабуть, найважливішим членом венеціанської школи, а також одним з найбільш універсальних. Його використання кольору мало б глибокий вплив не тільки на художників італійського Відродження, а й на майбутні покоління в західному мистецтві.
    • Паоло Веронезе (1528—1588) був одним з основних художників епохи Відродження у Венеції, відомий своїми картинами, такими як Весілля в Кані та Свято в Будинку Леві.

    Ключові умови

    • дизайн: Малювання або дизайн.
    • Венеціанська школа: Відмінна, процвітаюча та впливова мистецька сцена у Венеції, Італія, починаючи з кінця 15 століття.

    Джорджоне, Тіціан і Веронезе були видатними художниками венеціанського Високого Відродження. Всі три аналогічно використовували нові техніки кольору і композиції, які встановили їх як відомих художників на північ від Риму. Зокрема, Джорджоне, Тіціан, і Веронезе слід перевагу венеціанської школи кольору над disegno.

    Джорджоне

    Джорджіо Барбареллі да Каслфранко, відомий як Джорджоне (c. 1477—1510), є художником, який мав значний вплив на венеціанське Високе Відродження. На жаль, мистецтвознавці не знають багато про Джорджоне, частково через його ранню смерть у віці близько 30 років, а частково тому, що художники у Венеції не були такими індивідуалістичними, як художники у Флоренції. Хоча йому акредитовані лише шість картин, вони демонструють його важливість в історії мистецтва, а також його інновації в живописі.

    Джорджоне першим малював олією на полотні. Раніше люди, які використовували олію, малювали на панно, а не на полотні. Його твори не містять багато недомальовування, демонструючи, як він не дотримувався флорентійського дизайну, а його тематика залишається невловимою і загадковою. Однією з його робіт, яка демонструє всі три ці елементи, є Буря (c. 1505—1510). Ця робота - олія на полотні, рентгенівські промені показують, що під малюнком дуже мало, а тематика залишається однією з найбільш обговорюваних питань в історії мистецтва.

    Справа сидить жінка, смоктаючи малюка. Чоловік тримає довгий посох або щуку стоїть в контраппосто зліва. Він посміхається і дивиться вліво, але, здається, не дивиться на жінку.

    Буря, c, 1505—1510, Джорджьоне. : Ця робота Джорджоне інкапсулює всі нововведення, які він приніс живопису під час Венеціанського Високого Відродження, і залишається однією з найбільш обговорюваних картин усіх часів за її невловимою тематикою.

    Тіціан

    Тіціано Вечеллі, або Тіціан (1490—1576), мабуть, був найважливішим членом венеціанської школи 16 століття, а також одним з найбільш універсальних; він був однаково досвідчений з портретами, пейзажними фонами та міфологічними та релігійними предметами. Його методи живопису, зокрема в застосуванні та використанні кольору, мали б глибокий вплив не лише на художників італійського Відродження, а й на майбутні покоління західного мистецтва. Протягом свого довгого життя художня манера Тіціана кардинально змінилася, але він зберіг довічний інтерес до кольору. Хоча його зрілі твори можуть не містити яскравих, світлих відтінків його ранніх творів, їх пухка кисть і тонкість поліхроматичних модуляцій були без прецеденту

    У 1516 році Тиціан завершив свій відомий шедевр, Успіння Богородиці, або Ассунта, для високого вівтаря церкви Фрарі. Цей незвичайний шматок колоризму, виконаний у великому масштабі рідко раніше бачив в Італії, викликав фурор. Живописна структура Успіння - об'єднання в одній композиції дві-три сцени, накладені на різні рівні, землю і небо, тимчасове і нескінченне - було продовжено в серії його робіт, нарешті досягнувши класичної формули в Пезаро Мадонна (більш відома як Мадонна ді Ка' Пезаро). Це, мабуть, найбільш вивчена робота Тіціана; його терпляче розроблений план викладено з найвищим проявом порядку та свободи, оригінальності та стилю. Тут Тиціан дав нову концепцію традиційних груп донорів і святих осіб, що рухаються в повітряному просторі, плани та різні ступені, встановлені в архітектурних рамках.

    Ця картина показує різні події в три шари. У нижньому шарі знаходяться апостоли. Вони показані в самих різних позах, починаючи від погляду з трепетом, закінчуючи колінами і тягнуться до небес. У центрі малюється Діва Марія, загорнута в червоний халат і синю мантію. Вона піднімається до небес роєм херувимів, стоячи на хмарі. Вище - спроба намалювати Бога, який стежить за землею з летять на вітрі волоссям. Поруч з ним летить ангел з короною для Марії.

    Ассунта, Тіціан: Тиціану знадобилося два роки (1516—1518), щоб завершити свою Ассунту. Динамічна трирівнева композиція картини і колірна гамма встановили його як видатного художника на північ від Риму.

    Веронезе

    Паоло Веронезе (1528—1588) був одним з основних художників епохи Відродження у Венеції, добре відомий за такими картинами, як Весілля в Кані і Свято в Будинку Леві. Веронезе відомий як верховний колорист, і за його ілюзіоністичні прикраси як у фресках, так і в олії. Його найвідоміші твори - це складні сюжетні цикли, виконані в драматичному і колоритному стилі, сповнені величних архітектурних установок і блискучих театральних змагань.

    Особливо примітні його великі картини біблійних свят, виконаних для трапезних монастирів у Венеції та Вероні. Наприклад, у «Весіллі в Кані», яка була написана у 1562—1563 роках у співпраці з Палладіо, Веронезе влаштувала архітектуру, яка проходить здебільшого паралельно площині картини, підкреслюючи процесійний характер композиції. Декоративний геній художника полягав у тому, щоб визнати, що драматичні ефекти перспективи були б стомлюючими у вітальні чи каплиці, і що розповідь картини найкраще можна було б поглинути як барвисту диверсію.

    Весілля в Кані пропонує мало в поданні емоцій: скоріше, вона ілюструє ретельно складений рух своїх предметів вздовж переважно горизонтальної осі. Найбільше мова йде про розжарювання світла і кольору. Навіть коли використання Веронезе кольору досягло більшої інтенсивності та світності, його увага до розповіді, людські настрої та більш тонка та змістовна фізична взаємодія між його фігурами стала очевидною.

    На цій картині зображена біблійна історія одруження в Кані, весільний банкет, на якому Ісус перетворює воду в вино. В архітектурі представлені доричні та коринфські колони, що оточують внутрішній дворик, закритий низькою балюстрадою. На передньому плані група музикантів грає на інструментах пізнього ренесансу (лютні та струнні інструменти).
    Весілля в Кані, Паоло Веронезе (1562—1563): Декоративний геній художника в «Весіллі в Кані» полягав у визнанні того, що драматичні ефекти перспективи були б стомлюючими у вітальні чи каплиці, і що розповідь картини найкраще можна було б поглинути як барвисту диверсію.

    Контент з ліцензією CC, раніше ділився
    Контент, що ліцензується CC, Конкретна атрибуція
    1. Back to top
    • Was this article helpful?

    Recommended articles

    1. Article type
      Section or Page
    2. Tags
      1. source[translate]-human-53061