Skip to main content
LibreTexts - Ukrayinska

5.6: Феміністичне мистецтво (1970-2000)

  1. Last updated
  2. Save as PDF
  • Page ID
    40661

    • \( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \) \( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)\(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)

    Вступ

    Фемінізм - це французьке слово, фемінізм, і позначено концепцію соціальних та політичних рухів ідеологіями рівності жінок. Фемінізм швидко перемістився з Європи до США на початку 20 століття і став синонімом Жіночого руху. Це означає жінку (femme) і громадський рух (isme) і передбачає соціальні зміни для жінок, кульмінацією яких стало їх право голосу в 1920 році. «Жіночий рух», про який йдеться у Сполучених Штатах, мав критичний переломний момент у 1960-х роках, коли він розширився до визволення жінок. Ця друга хвиля фемінізму була безпосередньо пов'язана з «капіталістичною економікою, яка залучила мільйони жінок до оплачуваної робочої сили, а громадянські права та антиколоніальні рухи відродили політику демократизації». [1] Поява феміністичного руху викликала хвилю основних жіночих питань, таких як репродуктивні права, рівні права, сексизм та гендерні ролі через мистецький активізм. Свідоме підняття 1970-х років кинув виклик статус-кво, вимагаючи від світу мистецтва змінити нерівність мистецтва.

    Феміністичне мистецтво кидає виклик панування художників-чоловіків, щоб отримати визнання та рівність для жінок-художниць. (МАМА)

    Жінки, які визначали феміністичне мистецтво

    Починаючи з 1970-х років, жінки повинні були виховувати своїх дітей і працювати, тоді як чоловіки тільки повинні були заробляти на життя. Жіночий визвольний рух вимагав політичних та економічних прав та розширив рівність жінок на рівну оплату за рівну роботу, рівну допомогу в домашньому господарстві та рівні можливості. Поряд з другою хвилею фемінізму жінки на публічній арені залишалися маргінальними, а в нью-йоркському музеї Уїтні лише 5% артистів становили жінки. [2] Джуді Чикаго та Міріам Шапіро створили проект під назвою Womanhouse в Каліфорнійському інституті мистецтв. Проект складався з 17 кімнат візуальних уявлень гендерно-стереотипних відносин.

    Художники-феміністки почали досліджувати жіночі простори, використовуючи метафори для створення великих інсталяцій, таких як The Dinner Party Джуді Чикаго. Інсталяція Чикаго створила великий трикутний стіл з генітальними зображеннями на керамічних тарілках, що відзначають відомих жінок в історії. За останні 30 років фемінізм створив можливості для жінок-художників незалежно від того, феміністки вони чи ні (Freedman, 2000). Відомий мистецтвознавець Лінда Нохлін опублікувала впливове «Чому не було великих жінок-художниць?» [3]

    «Вина, дорогі брати, криється не в наших зірках, наших гормонах, наших менструальних циклах чи порожніх внутрішніх просторах, а в наших установах та нашій освіті - освіта, яку розуміють, включає все, що відбувається з нами з моменту, коли ми входимо в цей світ значущих символів, знаків та сигналів. Диво полягає в тому, що, враховуючи переважні шанси проти жінок або чорношкірих, так багато хто з обох зумів досягти такої великої досконалості в шлангу судових приставів білих чоловічих прерогатив, як наука, політика або мистецтво». [4]

    Партизанські дівчата були американською групою жінок-активісток, що викривали домінування білих художників-чоловіків у світі мистецтва. Їх місія полягала в тому, щоб підняти жінок-художників і художників кольору в 1980-х, коли нью-йоркський музей виставляв міжнародний живопис і скульптуру. Лише 13 жінок з 169 художників були в експонаті. Ця невідповідність стала мантрою (7.6.1) викорінити сексизм та расизм у світі мистецтва.

    Жінка з маскою мавпи лежить на рожевому ліжку з текстом
    Малюнок\(\PageIndex{1}\): Чи потрібно жінкам бути голими, щоб потрапити в музей Мет? , by Колекція графіки де Дібухо, CC BY-NC-ND 2.0

    З точки зору жіночих проблем, наступні два десятиліття розпочалися значні соціальні зміни, більшість з яких спрямовані на більшу свободу та можливості. Шістдесятники побачили потрясіння сексу, наркотиків, рок-н-ролу - і схвалення першого орального контрацептиву. Сімдесяті роки відкрили «жіночий ліб», жіноче «підвищення свідомості», «без вини» розлучення та Розділ IX, забезпечення рівного фінансування жіночого спорту. Феміністський мистецький рух поставив собі за мету з'єднати основоположні стовпи сучасного мистецтва та жінок. Після цього рух мотивував до змін, переробив соціальні установки та покращив гендерні стереотипи в мистецтві на краще.

     

    Джуді Чикаго

    Джуді Чикаго (1939-) — американська художниця феміністка, добре відома своєю великою спільною художньою інсталяцією під назвою The Dinner Party. Чикаго відвідував художню школу UCLA і швидко став політично активним, закінчивши магістр образотворчого мистецтва в 1964 році. Вона викладала повний робочий день у Державному коледжі Фресно, навчаючи жінок, як виражати себе у своїх творах мистецтва. Вона перетворилася на феміністську мистецьку програму і користувалася широкою популярністю серед жінок. Джуді Чикаго та Міріам Шапіро створили проект під назвою Womanhouse в Каліфорнійському інституті мистецтв, перетворили старий будинок і створили різні художні уявлення про жіночу домашню роботу.

    Художники-феміністки почали досліджувати жіночі простори, використовуючи метафори для створення великих інсталяцій на кшталт The Dinner Party (7.6.2). Інсталяція Чикаго зобразила великий трикутний стіл з генітальними зображеннями на керамічних тарілках, що відзначають відомих жінок в історії. Весь проект зайняв п'ять років завдяки великим розмірам, 14,6 на 13,1 на 10,9 метрів, з 39 різними налаштуваннями місця. Вишита настільна доріжка відповідає жіночій фігурній тарілці і комплектується срібним посудом і келихом. Натхнення для званого обіду було розроблено під час вечері, в якій домінують чоловіки, в якому взяли участь Чикаго. Вона відчувала, що жінки повинні бути визнані за столом, оскільки їх в основному не помічають. Тарілки 39 представляють історичні або міфічні жіночі фігури, встановлені як Таємна вечеря з 13 людьми на кожній стороні трикутника. Ще один примітний 999 жіночих імен вписані золотом на виставковому поверсі. Зустріч 39 жінок була потужною заявою, популярною серед громадськості, однак критиками, які називали її «вагіни на тарілках».

    «Позитивне святкування жіночих тіл та сексуальності, його свідомість про жіночу історію та рекультивацію жінок-художників та її підриву та перегляд маскулінських історичних наративів було величезним популярним успіхом». [5]

    трикутник обідній стіл на п'єдесталі з 39 тарілок з кераміки
    Малюнок\(\PageIndex{2}\): Вечеря (1974-79, змішана техніка, 14,6 х 13,1 х 10,9 метра) @KevinCase, CC BY-NC-SA 2.0

    Чиказька травлена картина Fused Mary Queen of Scots (7.6.3) - це унікальна суміш плавлення, травлення та розпилювальної фарби, що випалюється в печі, на розробку якої знадобилося більше півтора року. Вивчаючи вітражі, вона натрапила на китайське мистецтво розпису по склу в витончених кольорах, що повторювало вигляд порцеляни. Шматок являє собою суміш жовтих і синіх випромінюючих спіральних ліній, оточених світло-фіолетовою рамкою з рукописними словами. Марія Королева Шотландії була амбітною жінкою і мала титул королеви Шотландії, титул, який вона придбала в шість днів після смерті батька. Вона була визнана винною в змові на вбивство королеви Єлизавети і незабаром після цього була обезголовлена, породивши розбійний і дуже романтичний історичний характер з 16 століття. Робота перенесла кераміку від ремесла до образотворчого мистецтва, використовуючи технічні навички.

    Випромінююче сонце в темний фон з рожевою рамкою
    Малюнок\(\PageIndex{3}\): Зплавлена Марія Королева Шотландська в склі 2 (1999, травлення та фарба скла на плавленому склі, 55,8 х 55,8 см) від pennstatenews, CC BY-NC-ND 2.0

    Проект народження був конгломератом творів мистецтва, розроблений Чикаго і завершений рукодільниками художників по всьому США, Канаді та інших локалізованих місцях світу. Рукоділля завжди вважалося жіночою роботою, ремеслом під більшістю художників. Чикаго очолив спільний проект про жінок, які створили життя і пережили пологи з багатьох точок зору. Процес пологів взагалі не був предметом, який піднімали на вечірках або обговорювали за обіднім столом, але вона вивела питання наперед і особисто. «Завдяки моєму мистецтву це тема, з якою варто зіткнутися, предмет, багатий змістом і незначністю для жіночого життя, і—тому що жінки - це більше половини населення, тому що всі народжуються, і тому, що діти повинні бути підняті - предмет, гідний уваги всього людського роду» Джуді Чикаго, Проект народження , Подвійний день, 1985. Вишивка «Народження сльози» 3 (7.6.4) - малюнок з шарпі жінки під час пологів на шматку рожевого шовку, вишитий пізніше. Переважний колір червоного являє сльозу під час процесу пологів, яка вицвітає до фіолетового і синього. На зображенні також відображається біль жінки під час пологів.

    оголена жінка на спині, захоплюючи її стегна з синіми і червоними повторюваними лініями навколо фону
    Малюнок\(\PageIndex{4}\): Вишивка «Народження сльози» 3 (1984, шарпі, шовк, вишивка, 49 х 62 см) від benchilada, CC BY-NC-SA 2.0

    Барбара Крюгер

    Барбара Крюгер (1945-) - американська художник-феміністка, яка виробляла чорно-білі фотографії з декларативними підписами в червоно-білому кольорі. Вона є видатним професором Школи мистецтв та архітектури UCLA. Крюгер створює масштабні цифрові інсталяції, що поєднують фотографію та колаж. «Накладена провокаційною графікою на авторитет, ідентичність та сексуальність, її робота протистоїть силі засобів масової інформації». [6] Шовкографія «Без назви» (Ваше тіло - поле битви) (7.6.5) спочатку був плакатом для маршу за вибір 1989 року у Вашингтоні, округ Колумбія, на плакаті зображена думка художника про гендерну нерівність. Чорно-білі фотографії - це зображення жінок 1950-х років, що контрастують з жирним білим текстом на червоному фоні. Зосереджуючись на гарячій темі репродуктивних прав, текст починається з «Your», що сигналізує про об'єднання жінок навколо Америки, розповідаючи патріархальному суспільству про феміністську боротьбу. На жаль, мистецтво 1970-х років все ще залишається полем битви в 21 столітті.

    жіноче обличчя в чорно-білому кольорі з червоним текстом на верхній і нижній
    Малюнок\(\PageIndex{5}\): Без назви (Ваше тіло - поле битви) (1989, фото та шовкографія) від rocor, CC BY-NC 2.0

    Протягом наступних двох десятиліть Крюгер зосередився на інсталяціях, які занурили глядача в мистецтво. Belief+Doubt (7.6.6) заповнює нижній рівень музею сміливою кольоровою гамою чорно-білого з бризками червоного для акценту. Вона зосередилася на темах демократії, грошей, влади та віри, наповнивши весь простір текстовим вінілом, занурюючи глядачів у світ тексту, який вони повинні прочитати, викликаючи сумніви через запитання. Візуальна комунікація Крюгера почалася в її ранній кар'єрі дизайнера, і вона тривала протягом багатьох десятиліть. Мова поп-культури в журналах використовує короткі короткі речення для передачі повідомлень, і Крюгер використовувала переконливу силу образів поп-культури в своєму мистецтві.

    чорно-білий текст підлогу і червоно-білий текст стіни
    Малюнок\(\PageIndex{6}\): Віра+Сумнів (2012, вініл, 2042,1 метра) CC BY-SA 3.0.

    Крюгер прославилася своїми афористичними деклараціями феміністичних принципів, одружених з великими фотомонтажами. Без назви (Now You See Us) (7.6.7) - це зміна від чорного, білого та червоного мистецтва і включає глибокий лимонно-жовтий замість білого. Жовтий колір являє собою лампочку, що світиться яскраво-жовтим кольором на темно-сірому тлі. Прямі жовті слова залишаються на червоному тлі великим шрифтом, тоді як друге оголошення невелике, внизу та червоне на темно-сірому тлі.

    Жовта лампочка і руки на чорному фоні з червоно-жовтим текстомМалюнок\(\PageIndex{7}\): Без назви (тепер ви бачите нас) (1984, желатиновий срібний друк, 181,6 х 105,4 см) від Cea, CC BY 2.0

    Керолі Шнеманн

    Керолі Шнеманн (1939-2019) була американською художником-експерименталістом, яка отримала ступінь магістра в Університеті штату Іллінойс. Вона почала свою кар'єру як абстрактний художник-експресіоніст, але розчарувалася женоненавистницьким героїзмом художників у Нью-Йорку. Звертаючись до художнього перформансу, Шнеманн зайнявся феміністським мистецтвом і дослідженням жіночого тіла. Сценічний фон, Чотири обробні дошки з хутра (7.6.8) - це розширення часу та простору як рухома скульптура, яку можуть активувати глядачі в кімнаті. Назва твору походить від художньої студії Schneemann, яка була старовинною хутряною лавкою на Манхеттені. Мистецтво - це конгломерат олійної фарби, парасольок, двигунів, лампочок, струнних ліхтарів, фотографій, тканини, мережива, ковпачків, друкованих паперів, дзеркала, нейлонових панчох, цвяхів, петель та скоб по дереву. [7] Шнееманн намалював своє оголене тіло і сфотографував себе, взаємодіючи з мистецтвом, ставши предметом і об'єктом. Феміністичне мистецтво представляє жінку-художницю під впливом фемінізму - подвійного знання - жіночого тіла.

    кілька панелей, пофарбованих кількома кольорами з деякими вкладеннями вентиляторів та іншими частинами знайдених предметів
    Малюнок\(\PageIndex{8}\): Чотири обробні дошки з хутра (1962-63, олійна фарба, ліхтарі, папір, цвях, різне на дереві, 229,9 x 332,7 x 132,1 см) від benchilada, CC BY-NC-SA 2.0

    Коли технологія вибухнула, Schneemann експериментував з лазерними принтерами, створюючи намальовані відбитки зображень вульви, частини жіночих статевих органів. Морфія Вульви (7.6.9) - це набір із тридцяти шести творів мистецтва, що відображаються на прозорому дисплеї з оргскла. У вашому обличчі наперед грубість образів врівноважується гірко іронічним текстом: «Вульва розпізнає символи та імена на графіті під залізницею: щілина, ривок, енчілада, бобер, муфта, кузі, риба і пальчиковий пиріг. Вульва розшифровує Лакана і Бодріяра і виявляє, що вона є лише знаком, значенням порожнечі, відсутності, того, що не є чоловічим. (їй дають ручку для заміток)». [8]

    Візуальна сітка з текстом, Морфія Вульви — це зображення вульви з точки зору художника. Навколишній текст - це такі висловлювання, як «Вульва декодує феміністську конструктивістську семіотику і розуміє, що вона взагалі не має справжніх почуттів; навіть її еротичні відчуття будуються патріархальними проектами, нав'язаннями та обумовленням». [9] Schneemann повертає жіноче тіло і схвалює його повноваження без обмежень. Протягом десятиліть вона створювала мистецтво, яке кидало виклик кордонам, атакувало суспільні табу та зберігало його в наших обличчях, щоб ми не забули.

    Група фотографій жіночих частин тіла
    Малюнок\(\PageIndex{9}\): Вульвас Морфія (1995, 36-панельний ручний розпис, текстові вставки по дереву, 243,8 х 152,4 см) від nhighberg, CC BY-NC-ND 2.0

    Дженні Хольцер

    Дженні Хольцер (1950-) — американська неоконцептуальна художниця, відома своїми текстовими інсталяціями. Випускниця Род-Айлендської школи дизайну, вона переїхала до Нью-Йорка наприкінці 1970-х років, вивчаючи соціальну та культурну теорію. Хольцер розпочала свою художню кар'єру з Truisms, громадських робіт, пропонуючи прості заяви Хольцера, роздруковані на папері і приклеєні до будівель пшениці. Список слів походив з її занять філософії та літератури; вона стиснула весь текст у речення. Рухаючись від паперу, Хольцер звернулася до світлодіодних вивісок, щоб спалахнути її текстом на будівля або білборди. Stave (7.6.10) представляє світлодіодний знак у семи вигнутих двосторонніх текстах з червоними та синіми діодами, що вказують: «Хотів би повернутися додому». Доставка слів в масштабних інсталяціях принесла їй місце в знаменитому The Times Square Show.

    неонова вивіска з помаранчевими літерами на синьому тлі
    Малюнок\(\PageIndex{10}\): Stave (2008, вигнуті світлодіодні вивіски, червоні та сині діоди, 13,3 х 146,6 х 15,2 см) від C-Monster, CC BY-NC 2.0

    Політичний активіст Хольцер прагнув зірвати пасивну інформацію з джерел, яка може бути більш шкідливою, ніж корисною. У своїй живій серії «Захисти мене від того, що я хочу» (7.6.11), - це заяви, надруковані на кам'яних, бронзових та алюмінієвих табличках та розміщені на урядових будівлах навколо Нью-Йорка. Ці однолінійні цитати були зі списку читання, тоді як Хольцер був студентом. Короткі висловлювання стосувалися повсякденних потреб життя, таких як дихання, сон, їжа та стосунки. Повідомлення являють собою початок інформаційної ери та початок стрибка соціальних медіа.

    мармурова лавка з текстом на вершині
    Малюнок\(\PageIndex{11}\): Захистіть мене від того, що я хочу (1985, камінь, бронза) за щасливішими обставинами, CC BY-NC-SA 2.0

    На початку 1980-х років Хольцер створив роботу під назвою «Запальні нариси» (7.6.12), що складається з плакатів під впливом політичних діячів. Деякі з уривків звучать так: «Радійте! Наші часи нестерпні; Візьміть мужність, бо найгірше - передвісник найкращого; Тільки жахлива обставина може осадити повалення гнобителів; Старе і корумповане повинно бути покладено на витрату, перш ніж праведне може перемогти; Протиріччя буде посилено; Розплата буде прискорена постановкою насіння хвилювання, і Апокаліпсис розквітне». [10] Плакати були відтворені на кольоровому папері та прикріплені до стін кольоровими лініями для удару.

    сотні друкованого паперу, приклеєного до стіни в райдужному зачистці
    Малюнок\(\PageIndex{12}\): Запальні нариси (1979-1982, літографія на папері, кожен 43,1 х 43,1 см) анокаріна CC BY-SA 2.0

    Віра Кільце Золото

    Віра Рінгголд (1930-) — американський художник народився в Гарлемі під час Великої депресії. Її батьки були нащадками Великої міграції (рух шести мільйонів афроамериканців з сільського півдня на північний схід, середній захід та західне узбережжя, щоб уникнути південних законів Джима Кроу). Мати Рінггольда була модельєром, а батько - завзятим оповідачем. Ringgold успадкувала обидві якості від батьків, і вони є рушійною силою в її творчості. Вона також перебувала під впливом Гарлемського Відродження, культурного мистецтва відродження афроамериканського танцю, музики та політики в Гарлемі, переважно афро-американському районі.

    Рінгголд розпочала свою живописну кар'єру після закінчення художньої школи, натхненної поп-артом, африканським мистецтвом, кубізмом та імпресіонізмом. Досліджуючи автопортрети, вона звертається до деяких одночасних рухів Чорної сили в 1960-х роках. Ранні твори #25: Автопортрет (7.6.13) - картина маслом на полотні в щільному червоному колі, окресленому білим кольором. Кола домінують над портретом за кільцевим золотом, ниткою перлів та двома колами на грудях. Її руки складені поперек талії, і вона одягнена в різнокольорову синю сукню з дуже рішучим поглядом на обличчі. Ringgold коментує: «Я намагався знайти свій голос, розмовляючи з собою через своє мистецтво». [11] У 1970-х роках Віра Рінгголд співпрацювала зі своєю матір'ю Віллі Позі, відомим кравцем у Гарлемі, щоб виготовити кілька текстильних робіт.

    барвистий портрет жінки в зеленому і червоному
    Ілюстрація\(\PageIndex{13}\): Ранні твори #25: Автопортрет (1965, полотно, олія, 127 х 101) від РПЦЗ, CC BY-NC 2.0

    Відлуння Гарлема (7.6.14) була першою ковдрою Рінггольда та її остаточним спільним проектом з матір'ю. Композиція об'єднує чотири різні тканини в повторюваному ритмі і обрамляє тридцять осіб, демонструючи різноманітні індивідуальні вирази. Разом обличчя представляють безліч життєвих історій, присутніх у Гарлемі. У наступні роки Рінгголд почав конструювати оповідні ковдри, які зображують різні аспекти життя афроамериканців у Сполучених Штатах.

    Кілька голів в портретному режимі повернулися всіляко
    Малюнок\(\PageIndex{14}\): Відлуння Гарлема (1980, акрил на бавовні, 227,3 х 204,4 см) від rocor, CC BY-NC 2.0

    Ringgold та інші чорні жінки-художники переслідували чорну культурну свідомість, засновану на відтворенні чорної історичної пам'яті та панафриканської духовності. [12] Обрамляючи питання чорної жіночої ідентичності, Ringgold створив мистецтво, натхненне поїздками до Африки, створюючи ремесла, зшиваючи унікальні ковдри для розповіді. Одним з найвідоміших творів мистецтва Ringgold є Tar Beach (7.6.15), намальована сцена на тканині, а потім стьобана робота. На ковдрі зображена сцена сім'ї на даху їхнього житлового будинку в Гарлемі з видом на міст Джорджа Вашингтона. Плоскі дахи на будинках зазвичай обробляли чорним дьогтем, щоб запечатувати їх від дощу та снігу. Сцена після обіду, дорослі сидять біля карткового столу, а діти лежать на ковдрах, бажаючи, щоб вони могли літати над містом. Історія заснована на сімейних спогадах Рінггольда, де «літаючи серед зірок у спекотну літню ніч, Кессі стає героїчним дослідником, долаючи перешкоди» [13] висловлює свободу та самоволодіння.

    ковдру з міський пейзаж і сім'я з чотирьох чоловік обідають і лежачи на ковдру, дивлячись на зіркиМалюнок\(\PageIndex{15}\): Пляж Тар (1988, акрилова фарба, полотно, тканина, туш, нитки, 189,5 х 174 см) по рверц, CC BY 2.0

    Пляж Тар (7.6.16) крупним планом зображує увагу до деталей з двома дітьми, що лежать на «пляжі смоли», дивлячись на небо. Рінгголд є значним учасником феміністичного мистецтва і працював з жінками-художниками революції (ВІЙНА), утвореною в 1969 році. Група відокремилася від коаліції художників, де переважають чоловіки (AWC). Рінггольд була професором кафедри образотворчого мистецтва в Каліфорнійському університеті в Сан-Дієго, до 2002 року, коли вона вийшла на пенсію. Її внесок у мистецтво є численним, як і публікації книг.

    ковдру з двома дітьми, лежачи на даху будівлі з лінією одягу та обіднім столом
    Малюнок\(\PageIndex{16}\): Пляж зірки крупним планом, від Rverc, CC BY-NC-ND 2.0

    Ана Мендієта

    Ана Мендієта (1948-1985) Феміністичний художній рух культивував вираження жінок-художників і, крім того, тепер дав голос незліченним раніше маргіналізованим жінок-художницям кольору. Робота Ани Мендієти висвітлювала етнічні та расові вирази різних культур. Народилася в Гавані, Куба, сім'я Мендієта переїхала до США під час операції Пітер Пен під час Кубинської революції. Завершивши ступінь магістра в університеті штату Айова, Мендієта переїхала до Нью-Йорка, щоб продовжити свою художню кар'єру. Як переміщена кубинка, Мендієта створила мистецтво, орієнтоване на її історію переміщення, зосередившись на фемінізмі, ідентичності та темах приналежності, натхненних авангардною спільнотою. Стихії природи повзають в її мистецтво, виявляючи духовний і фізичний зв'язок із землею.

    «Через свої скульптури землі/тіла я стаю єдиним цілим із землею... Я стаю продовженням природи, а природа стає продовженням мого тіла. Цей нав'язливий акт відновлення моїх зв'язків із землею насправді є реактивацією первісних вірувань... [в] всюдисущої жіночої сили, після образу охоплення в утробі матері, є проявом моєї спраги буття». [14]

    Серія Silueta (Силует) Мендієти продовжила захоплення землею, брудом, піском та травою, оскільки її жіночі силуети створювалися на природі та фотографувалися. У «Без назви» (7.6.17) вона створила скульптуру з оголеним земляним тілом, що лежить у скельних виходах, покритих гілочками, бур'янами та квітами, з'єднуючись із землею. Контраст між породою гранітного кольору, світло-коричневим кольором жіночого тіла та зеленою травою з білими кольорами наводить на думку про низку питань феміністичного мистецтва. Значення оголеної жінки може демонструвати фігуру матері, молоду жінку або, можливо, посилатися на божество майя, lx Chel, яке було жіночою життєвою силою протягом усієї її роботи. Ключова фігура в русі боді-арту, Мендієта об'єднала Ленд-арт у нерозривно пов'язаний процес мистецтва природного середовища. Використовуючи знайдені предмети, вона мала намір включити людство в один цілий світ, розмиваючи межі мистецьких рухів.

    Оголена жінка, поклавши на скелі з бур'янами і квітами на вершині її
    Малюнок\(\PageIndex{17}\): Без назви (із серії Silueta) (1973-1977, срібний барвник-відбілювач, 50,5 х 40,3 см) від Rocor, CC BY-NC 2.0

    Після відвідин доколумбової археології в мезоамериканських районах, Мендієта інтерполював жіночу тему в гробниці, землю та скелі. Потрапляючи свою фігуру в бруд, вона була наповнена кров'ю, як показує Silueta Works в Мексиці (7.6.18). У культурі майя кров використовувалася як джерело живлення для всіх божеств. Ефемерні твори мистецтва показують, наскільки крихке людське тіло, коли кісточки проти природи. Скульптури земного тіла є потужним зображенням феміністичних арт-інсталяцій. Це дуже прикро для світу мистецтва, оскільки ми втратили Мендієту в ранньому віці. Невідомо, чи її штовхнули або стрибнули на смерть з 34-го поверху своєї багатоповерхівки, а її чоловік 8 місяців був виправданий за будь-яку роль, яку він, можливо, зіграв у смерті Мендієти.

    Контур тіла червоною фарбою всередині
    Малюнок\(\PageIndex{18}\): Silueta працює в Мексиці (1976, червоний барвник, бруд, вода) від QrartGuide - Джордж Фішман, CC BY-NC-SA 2.0

    Лорна Сімпсон

    Лорна Сімпсон (1960-) — американський фотограф і мультимедійний художник з Нью-Йорка і відвідував Вищу школу мистецтв у Брукліні. Сімпсон їздила до Європи, щоб відточити свої навички фотографії, де вона задокументувала людей, а потім закінчила Школу візуальних мистецтв зі ступенем BFA з живопису. Продовжуючи освіту, вона отримала ступінь магістра в Каліфорнійському університеті в Сан-Дієго, створивши свій власний стиль під назвою фото-текст - фотографії, які включали текст - піонер концептуальної фотографії.

    Однією з найвідоміших фото-текстових робіт Сімпсона є П'ятиденний прогноз (7.6.19). Сміливий показ афроамериканки з обрізаним тулубом. Вона носила біле плаття, що контрастує проти насиченого коричневого кольору рук, складених поперек грудей. Слова відображаються у верхній і нижній частині картинок з позначенням з понеділка по п'ятницю, а десять білих слів - неправильне опис, дезінформація, неправильна ідентифікація, неправильна діагностика, неправильне розшифровка, неправильне запам'ятовування, неправильне визначення, неправильне тлумачення та неправильне переведення - на чорних прямокутниках внизу дисплея. Слово міс/міс - це обмін силою слів і душ звинувачень. [15]

    П'ять жінок, одягнених у білі сукні без рукавів з текстом зверху і знизу мистецтва
    Малюнок\(\PageIndex{19}\): П'ятиденний прогноз (1991, желатиновий срібний друк на папері, 62,2 х 246,4 см) від C-Monster, CC BY-NC 2.0

    Flipside (7.6.20) поєднує мистецтво африканської маски з мистецтвом фотографії, але з задньої сторони кожного стилю. Жінка має чорне плаття і чорне волосся на чорному тлі. Маска встановлена на чорному тлі, звідси і назва Flipside. Криві на обох фото відносяться до популярної зачіски на початку 1960-х, традиційно носили афроамериканки. Табличка нижче говорить: Сусіди підозріло ставилися до її зачіски. Волосся та маска розглядаються як примітивні культурні твори мистецтва, що підтверджують ідентичність афроамериканців як зворотний бік 45-вінілової платівки, причому верхня сторона є хітом того часу, а зворотна сторона - меншою якістю.

    Потилицю жіночої голови і задньої частини маски пліч-о-пліч
    Малюнок\(\PageIndex{20}\): Фліпсайд (1991, желатинові срібні відбитки та гравірований пластиковий наліт, диптих, 130,8 х 177,8 см) від ShanMcG213, CC BY-SA 2.0

    Марлен Дюма

    Марлен Дюма (1953-) народилася в Кейптауні, Південна Африка, провела дитинство біля річки в Західному Кейпі. Дюма відвідував Університет Кейптауна, щоб вивчати мистецтво, перш ніж переїхати до Нідерландів та перевестися в Амстердамський університет. Вона спеціалізувалася на психології, а не мистецтві, плануючи стати арт-терапевтом. Дюма все ще живе в Нідерландах і є одним з найбільш плідних художників країни. Під час свого життя в Південній Африці вона ідентифікувала як білу жінку африканського походження і побачила з перших рук, як апартеїд відокремив білих від чорних людей.

    Дюма сказала, що не малює людей; натомість вона створює емоційний стан, зосереджуючись на расі, насильстві, сексі, смерті, контрасті провини чи невинності та навіть ніжності чи сорому. Вона часто фотографувала друзів і використовувала їх як довідковий матеріал разом з фотографіями в журналах. Дюма не малював, використовуючи живі моделі, тільки довідковий матеріал. Її піддані були політичними, відомими або еротичними, в основному суперечливими. Альбінос (7.6.21) - одна з психологічно заряджених малюнків Дюма з сіро-рожево-блакитним обличчям. Маленькі червоно-карі очі поставлені з боків великого широкого носа з повними губами і маленьким підборіддям. Великий лоб покритий білим світлом з вдовою піком на лінії волосся і пофарбований спонтанним пензлем. Вибравши суб'єкта, саме існування якого ускладнює поняття расової категоризації та надаючи тон шкіри та колір волосся в хворобливо-зелений відтінок, Дюма наполягав на дестабілізації поділу між чорним та білим. [16]

    портрет людини, пофарбовані з зеленню і білих
    Малюнок\(\PageIndex{21}\): Альбінос (1986, полотно, олія, 130 х 110 см) нестерпною легкістю, CC BY-NC-SA 2.0

    Автопортрет опівдні (7.6.22) - портрет живописця з її відомими кучерявими довгим волоссям. Примарний вигляд срібла та чорного кольору є тематичним у більшості її творів. Хворобливий зелений знову з'являється на тілі в координації з набором маленьких бісерних очей, розставлених над маленьким носом і маленькими губами, показуючи лише натяк на зуби. Чорна сорочка компенсує світлі кольори, додаючи контраст до інакше монотонної картини.

    Портрет жінки з кучерявим волоссям в чорній сорочці, пофарбованої зеленню і білим
    Малюнок\(\PageIndex{22}\): Автопортрет опівдні (2008, полотно, олія, 90 х 100 см) від PYL GALLERY, CC BY-NC 2.0

    Цікавий набір з чотирьох картин був створений на початку 1990-х років під назвою Чотири Діви (7.6.23, 7.6.24). Маленькі фігурні портрети зроблені з гуаші та індійського чорнила і є невизнаними анонімними жінками. Сама назва позначає незайманих жінок, але Дюма дозволяє глядачам випробувати і складати свою думку. Кожен портрет схожий за кольором і стилем живопису, що робить групу набором чорно-білих з синіми відблисками, які відтіняють кожну картину.

    Портрет молодої жінки в сірий з синім фоном
    Малюнок\(\PageIndex{23}\): Чотири Діви (1-4) (1993, гуаш, індійська туш, 31 х 31 см) Прелевмана (écouvillon en créole), CC BY-NC-SA 2.0

     

    Портрет молодої жінки в сірий з синім фоном
    Малюнок\(\PageIndex{24}\): Чотири Діви (1-4) (1993, гуаш, індійська туш, 31 х 31 см) Прелевмана (écouvillon en créole), CC BY-NC-SA 2.0

    Після Чотирьох Дів Дюма намалював дитину зеленим волоссям, задумливими темними очима, червоними та синіми кольорами рук під назвою Художник (7.6.25). Її дочка одного разу малювала пальцями фарбою по всіх руках і натхненням для концепції картини. Дитяче тіло з блакитними тонами шкіри розкриває поєднання абстрактних живописних якостей малюнка і акварелі. Фігура неповна, концепція Дюма використовувала для видалення будь-якого реального контексту та відкриття більш алегоричної ідеї.

    Оголений малюк з синім животом і червоними руками
    Малюнок\(\PageIndex{25}\): Художник (1994, полотно, олія, 190,5 х 99 см) Стівена ван Велі, CC BY-NC-ND 2.0

    Джоан Семмель

    Джоан Семмел (1932-) - американська феміністська художниця, вчителька і письменниця і відома своїми масштабними портретами. Народилася в Нью-Йорку, вона отримала ступінь бакалавра в Інституті Пратта, а потім провела наступне десятиліття в Іспанії «поступово розвиваючи широкий жестовий і просторово посилається живопис до композицій дещо сюрреалістичної фігури/наземної композиції... (її) високонасичений блискучий колір відокремив (її) картини від провідні іспанські художники, чия робота була темнішою, сірішою та гояескою». [17] Повернувшись до штатів, вона отримала ступінь магістра в Інституті Пратта та розпочала свій унікальний фігуративний стиль еротичних тем.

    Повернувшись в Нью-Йорк, Семмель приєдналася до феміністичного руху і присвятила себе гендерній рівності для всіх. Семмель малює свої ню з точки зору жінки; вони підривають чоловічий погляд і повертають жіночу суб'єктивність. Нагота в мистецтві перетікала і протікала через тисячі років і по всьому світу. Традиція наготи була порушена з згасанням мистецтва неокласицизму в 19 столітті, і «будь-яка художниця в нашій культурі наголо представляти себе публіці - це навмисний і вивчений вчинок». [18] Використовуючи себе як модель, Semmel фотографує сцену, яку вона хоче намалювати, і реферує зображення лініями та кольором. У Self-Made (7.6.26) Семмель поєднала свої феміністичні арт-ідеї з сексуальним звільненням і намалювала оголені форми в сексуальних позах. Поєднання двох жіночих форм в сексуальній зустрічі відображається з однією фігурою в яскравих кольорах, передбачених проти іншої в більш тонів шкіри кольору. «Відновлюючи жіноче тіло для жінок, Семмель відстоював права жінок створювати та контролювати своє представництво та естетичне задоволення». [19]

    Дві оголені жінки, лежачи на ліжку, пофарбовані яскравими кольорами
    Малюнок\(\PageIndex{26}\): Саморобна (1980 р., полотно, олія, 198,12 × 304,8 см) за рокором, CC BY-NC 2.0

    Ще одна з картин Семмеля - Дотик (7.6.27), з точки зору жінки в кадрі. Передбачено, це момент дотику між двома людьми. Еротично заряджений образ підриває звичне положення жіночої оголеною в повному тілі, що лежить на ліжку, і забезпечує глядачам безпосереднє бачення художника. Теплі колірні тони двох тіл контрастують з прохолодними кольорами подушки та стіни позаду пари. Семмель продовжувала малювати ню в 21 столітті, хоча її мистецтво - з точки зору відображення в дзеркалі. Картини відображають старіючу жінку в метафізичному стані дослідження.

    Два оголених людей лежачи на ліжку в обіймахМалюнок\(\PageIndex{27}\): Дотик (1975, полотно, олія 144 см х 261 см) від uGardener, CC BY-NC 2.0

    Йоланда Лопес

    Йоланда Лопес (1942-2021) - мексиканська американська художниця, вчителька, активістка та феміністка. Вона народилася в Сан-Дієго і жила зі своєю матір'ю робочого класу та бабусями і дідусями. Після середньої школи Лопес вступив до Державного університету Сан-Франциско. Вона брала участь у студентських активістських групах, таких як Третій світовий фронт визволення, що призвело до створення етнічного коледжу, та комітету оборони Лос-Сіете, групи, яка підтримує чоловіків, яких несправедливо звинувачували у вбивстві поліцейського (сім чоловіків були виправдані). Через Los Siete Лопес розробив громадську газету ¡Basta Ya! У цей період художник увійшов в політичну свідомість.

    Лопес повернувся в Сан-Дієго і закінчив державний університет Сан-Дієго в 1975 році. Вона отримала ступінь магістра образотворчих мистецтв в Каліфорнійському університеті Сан-Дієго в 1979 році. У цей період вона створила кілька своїх найбільш знакових творів. Її серія Гваделупе відзначала чикани робочого класу різного віку та типу статури. Її серія Гваделупська зображувала себе, матір і бабусю на окремих полотнях. На картині «Портрет мистецтва як Діви Гваделупської» (7.6.28) художниця широко посміхається з виразом радості, що поширюється на її обличчя. Зрештою, образ контекстуалізується в рамках феміністичного руху 1970-х років.

    Жінка в персиковому платті на тлі жовтого і синього
    Малюнок\(\PageIndex{28}\): Портрет мистецтва як Діви Гваделупської (1987, олія, пастель на ганчірковому папері, 55 х 76 см) від gozamos, CC BY-SA 2.0

    Наприкінці життя Лопесу поставили діагноз рак печінки, діагноз, який змусив художника переглянути свій минулий досвід. Вона публічно поділилася тим, що на початку 1970-х її згвалтували під дулом пістолета. [20] Вона була так боляче і так ненавиділа чоловіка, що хотіла його вбити; однак пізніше він здався, і вона дала свідчення в суді, щоб викрити чоловіка. Глядач може задатися питанням, чи радість, виражена в її автопортреті, є навіюванням її тріумфу через біль, яку вона відчула від зґвалтування. Портрет мистецтва як Діви Гваделупської зображує молоду, могутню феміністку, Чикана, художницю. Інша робота, створена одночасно, як серія Гвадалупе відображала контекст питань імміграції та американських/мексиканських прикордонних конфліктів у 1970-х роках. У друкованому вигляді, Хто нелегальний іноземець, Пілігрим? (7.6.29) текст написаний на зображенні, а зображення людини підкреслює стурбованість художника лицемірством у більшій частині антиімміграційної ідеології того часу.

    Чоловік вказує на аудиторію і знаходиться в чорно-білому
    Малюнок\(\PageIndex{29}\): Хто нелегальний іноземець, Пілігрим? (1978, офсетна літографія, 55,8 х 44,5 см) по dignidadrebelde, CC BY 2.0

    В одному зі своїх заключних публічних переговорів вона пояснила «Хто є незаконним інопланетянином», «Пілігрим»? друкувати в такий спосіб:

    ... Я знайшов з великою кількістю чоловіків, жінок, а також, але багато чоловіків дійсно дуже сильно реагують на Хто незаконний іноземець, Пілігрим? тому що це людина, яка має, начебто ви знаєте, одяг корінних ацтеків, але у нього є вираз, тому що багато разів навіть з нашими образами у всьому пантеоні наших героїв, будь то Сезар Чавес або Еміліо Сапата або Панчо Вілла... [їх зображення] були всі дуже стоїчні дивлячись, без вираження. Тут я хотів зобразити... вираз — гнів, самоправду, але не тільки це, але і те, що у нього в руці? У нього є сніп паперів, що говорять про плани імміграції. Отже, це не як великий, який ви знаєте АК-47 або навіть як із Zapata, ці великі старовинні дерев'яні гвинтівки та гармати, але це людина... яка говорить про ідеї. Так що зброя - це не обов'язково наша зброя, але зброя - це те, що ми маємо мисляче населення, і я думаю, що це частина того, що приваблює чоловіків. Вони представлені не тільки з самовираженням, як жорстоке, яке ви знаєте як страшний і самоодержимий, але і з видом: «це те, що потрібно зробити...» Ви розумієте різницю, і саме тут я думаю, що фемінізм приходить в те зображення нелегального інопланетянина, що це мисляча людина... Я думаю, що це справжній дар фемінізму, в той час особливо, дивлячись на представлення жінок зокрема і передаючи його на те, як зображуються чоловіки, а також. [21]

    Ми можемо побачити фундамент спадщини Лопеса та художнього послання через ці дві роботи. Навіть в останні роки, зіткнувшись з майбутньою смертю, Лопес продовжувала закликати жінок і Чиканів боротися за свої права, пояснюючи, що «революція є поступовою».

    Міріам Шапіро

    Міріам Шапіро (1923-2015) була канадською художницею-феміністкою, яка використовувала різноманітні засоби, такі як фарба, друк та метал для створення свого мистецтва. Закінчивши державний університет штату Айова зі ступенем доктора філософії, вона переїхала до Нью-Йорка, щоб вчитися у абстрактних експресіоністів Нью-Йорка. Вона була придумана «лідером феміністичного мистецького руху» і почала свою абстрактну художню кар'єру експресіоністів після народження першого сина. У 1967 році переїхала до Каліфорнії, ставши першою художницею, яка використовувала комп'ютер у створенні мистецтва. Шапіро співпрацював з Джуді Чикаго, відкриваючи першу феміністську мистецьку програму та Каліфорнійський інститут мистецтв та Womanhouse, інсталяцію про жінок та жіночий досвід. Шапіро почав експериментувати та розширювати матеріали, які вона використовувала у своєму мистецтві, і включала предмети, які маргіналізували вітчизняне ремесло. Асамблея Barcelona Fan (7.6.30) підкреслює інтерес Шапіро до тканини і мистецтва шиття, створюючи блискучий кольоровий вентилятор з використанням тактильних матеріалів. Відкритий вентилятор побудований з чергуванням рядів червоного та білого кольорів та доповненнями невеликого використання зеленого та синього кольорів у цьому вентиляторі більшого, ніж життя. «Я хотіла підтвердити традиційну діяльність жінок, зв'язати себе з невідомими жінками-художниками... які зробили невидиму «жіночу роботу» цивілізації. Я хотів визнати їх, шанувати їх». [22]

    Великий віяло в жовто-червоному та синьому кольорах, що чергуються ряди
    Малюнок\(\PageIndex{30}\): Барселона вентилятор (1979, полотно тканини та акрил, 182,9 × 365,8 × 6,7 см) від rverc, CC BY-NC-ND 2.0

    У середині 1980-х років Шапіро відхилилася від своїх природних матеріалів і створила масштабну скульптуру під назвою Анна і Девід (7.6.31) на бульварі Вілсона в Арлінгтоні, штат Вірджинія. Скульптура була заснована на картині під назвою Pas de Deux і має висоту понад 3,5 метра і важить півметричної тонни. Яскраво пофарбований алюміній - примхлива пара танцюристів, яка передає рух в анімованих позах в нестримному задоволенні. Основні кольори яскраві та насичені відтінками, що надають скульптурі анімовану якість. Кар'єра Шапіро охоплювала чотири десятиліття, створюючи мистецтво в абстрактному експресіонізмі, мінімалізмі, комп'ютерному мистецтві та феміністському мистецтві. Одним з видів мистецтва, яке вона створила, були тканинні колажі або, як це називає Шапіро, «феммаги» - поєднання тканини та текстилю, що зображують жіночі роботи.

    велика металева структура двох людей танцюють з дуже яскравими кольорами
    Ілюстрація\(\PageIndex{31}\): Анна і Девід (1987, алюміній і фарба, 3,5 метра) Рона Когсвелла, CC BY 2.0

    Альма Лопес

    Альма Лопес (1966-) - мексиканський народився самоідентифікований, Queer Chicana художник виріс у Лос-Анджелесі. Лопес має ступінь бакалавра мистецтв Каліфорнійського університету в Санта-Барбарі та магістра образотворчих мистецтв Каліфорнійського університету в Ірвайн. Вона є викладачем Каліфорнійського університету в Лос-Анджелесі на кафедрі досліджень Чикана/О. Лопес працює в різних середовищах як художник, друкарь, фотограф, цифровий та відеохудожник. Подібно до феміністських художників Чикана перед нею, вона переосмислює традиційні образи історичних, культурних та релігійних діячів, таких як Діва Гваделупська в роботі під назвою, Богоматір (7.6.32).

    жінка, що носить квіти проти червоної завіси
    Ілюстрація\(\PageIndex{32}\): Богоматір (1999 р. Цифровий друк, 35.5 x 44,5 см) від gozamos, CC BY-SA 2.0

    Хоча суперечливим, як пояснює художник, «Католицька чи ні, Чикана/латина/Hispana візуальні, грамотні чи виконавчі художники виросли із зображенням La Virgen de Guadalupe, отже, даючи нам право висловити наші стосунки до неї будь-яким чином, що стосується нашого власного досвіду. Багато художників, такі як Йоланда М. Лопес, Естер Ернандес, Санта-Барраса, Деліла Монтойя, Єрина Д. Сервантес та Ракель Салінас, поділилися власним особистим досвідом використання La Virgen de Guadalupe». [23]

    Крім того, «Лопес стверджує, що її образ мав бути розширенням прав і можливостей - феміністичною заявою та декларацією корінної гордості... Більше, ніж релігійний символ, іміджмейкер каже, що вона бачила ікону як художню - громадський прилад, коріння якого є більш культурним, ніж духовним «Отже, для мене вона представляла культуру, громада та сім'я». [24] Її фемінізм поширився на предмети корінних народів. У своїх творах мистецтва зображення нагадує світ ацтеків, включаючи посилання на божества ацтеків та інші видатні символи Мексики. Вона включила теми імміграції, зокрема через образи метелика Монарха, який щорічно безперешкодно подорожує між Мексикою та Канадою.

    З виставки 2014 року «Сила руху» ми бачимо тему фемінізму, імміграції та самоврядування. На зображенні зліва, My Bad (7.6.33), зображений автопортрет художника, включаючи ореол троянд, ніби вона кинула їх над головою та метелика-монарха. У правій частині фотографії є серія з шести панелей під назвою Діва/Леді (7.6.33). Традиційна іконографія Гваделупи зіставляється поряд з намальованими зображеннями її власної переосмисленої версії, Богоматері (7.6.33). У традиційному посиланні Гваделупи її голова схилена в підпорядкованій позі (з накладенням тексту «Революція керується великою любов'ю»). У переосмисленому образі обличчя її моделі, Ракель Салінас з Богоматері, дивиться прямо на глядача. «Поза Ракель Салінас та очі в Богоматері уособлювали феміністичне повернення погляду, який кидає виклик фізичному та дискурсивному контролю над жіночими тілами, кидаючи виклик стримуванню жіночого агентства в рамках гендерних об'єктивізацій» [25] Погляд тут - намальоване уявлення на основі оригінального твору мистецтва.

    Традиційна довідка показує руки, стиснуті в молитві перед повністю одягненим тілом. На відміну від цього, намальована переосмислення Лопес зображує жіночі руки з рожевими пофарбованими нігтями, впевнено розміщеними на стегна, її мідриф оголений. Деякі версії включають накладення контуру Койольксаукі (на основі ацтекської скульптури богині). Нарешті, традиційна іконографія ангела з орлиними крилами знаходиться на традиційному посиланні. Переосмислений образ зображує жінку з голими грудьми з крилом метелика монарха позаду неї. Переосмислений намальований та деконструйований образ Лопеса кинув виклик традиційному образу, зіставляючи три конкретні іконографічні зміни, внесені художницею у своєму переосмисленому образі.

    кілька фотографій жінок, що висять на стіні в декількох кольорах
    Малюнок\(\PageIndex{33}\): Моє погане (2010, полотно, акрил) від ubrayj02, CC BY 2.0

    Ширин Нешат

    Ширін Нешат (1957-) - художник, який народився в Ірані, який втік від Іранської революції в 1979 році і переїхав до Сполучених Штатів у сімнадцять років. Вона закінчила з магістром закордонних справ Каліфорнійського університету в Берклі, переїхала до Нью-Йорка, працювала в незалежній галереї. Вперше повернувшись до Ірану в 1990 році, Нешат був шокований соціальними і політичними потрясіннями, викликаними війною. Повернувшись до держав, вона знову занурилася в своє мистецтво, змішуючи фарсі текст з фотографіями, заснованими на її досвіді в Ірані. Текст від жінок-авторів під час революції, таких як поет Тахерех Саффарзаде (1935-2008). [26]

    Рання фотографічна робота Нешата стосувалася психологічного досвіду жінок в ісламських культурах. Викриваючи питання жіночності і того, як жінки себе ідентифікують, вона захоплює поняття полемічних нарисів. Безмовний (7.6.34) - одна з групи грізних образів, які Нешат пов'язаний з ісламським фундаменталізмом. Під час повернення до Ірану вона зіткнулася з мінливою країною, чоловіки взяли під контроль, і колись космополітичних жінок більше не існувало. Постановка фотографій жінок у перев'язуваннях чадора, які дивилися прямо на глядача і тримали зброю з текстом на обличчях, були потужними витворами мистецтва. Друк Speechless - це крупний план на жіночому обличчі зі стовбуром пістолета замість сережки. Жінки не здаються слабкими; натомість Нешат зобразив їх сильними і героїчними, незважаючи на страждання через роки соціальних переслідувань.

    часткове жіноче обличчя з пістолетом, що стирчить з вуха, і арабське письмо на обличчі
    Малюнок\(\PageIndex{34}\): Безмовний (1996, друк і чорнило, 167,6 х 133,4 см) від Cea, CC BY 2.0

    Нешат створив серію під назвою «Лиходії» (7.6.35), фотографії літніх чоловіків з каліграфічними деталями на грудях та руках. Текст являє собою метафори з Книги Царів — єврейської Біблії, написаної в двох книгах. У Бахрамі на сцені зображений цар на коні, який веде армію чоловіків, що несуть прапор через рівнини в бій. «Виставка Ширіна була мотивована низкою політичних повстань, тепер широко відомих як Арабська весна, які відбувалися в різних арабських країнах між 2011 і 2012 роками. Книга Царів досліджувала причинно-наслідкові умови влади всередині соціальних і культурних структур в сучасному суспільстві». [27]

    старший чоловік, сидячи на стільці з татуювання на грудях і руці
    Малюнок\(\PageIndex{35}\): Бахрам (Вільяни) (2012, желатиновий срібний друк, акрил, 251,7 х 126,3 см) від UniversalMuseum Joanneum, CC BY-NC 2.0

    Почалася зміна парадигми в музеях. Завдяки незліченній кількості жінок-художників протягом останніх трьох десятиліть 20-го століття в музеях та галереях представлено більше жінок, ніж оголених жінок, що висять на стінами. Без цих художників-феміністок двері, що відкриваються для поколінь молодих дівчат, не були б відкритими. Художниця-феміністка дала свіжий і реалістичний погляд на жіноче тіло і мистецтво і одночасно переписала історію мистецтва. Постмодернізм поставив під сумнів все про наше суспільство та культурні зміни, які потрібно було вирішити. Чоловіки, які писали історію мистецтва, залишали жінок поза своїми книгами; чому? Просто тому, що вони жінки.

     

    [1] Фрідман Е. Повернення назад немає: Історія фемінізму та майбутнє жінок. Нью-Йорк, Нью-Йорк: Баллантинські книги. (стор. 5).

    [2] Фрідман Е. Повернення назад немає: Історія фемінізму та майбутнє жінок. Нью-Йорк, Нью-Йорк: Баллантинські книги. (с. 319).

    [3] Нохлін Л. Жіночі художниці. Нью-Йорк, Нью-Йорк: Темза і Гудзон.

    [4] Нохлін Л. Жіночі художниці. Нью-Йорк, Нью-Йорк: Темза і Гудзон.

    [5] Досс. Е. (2002). Американське мистецтво ХХ століття. Оксфорд. (с. 184).

    [6] Отримано з: https://www.riseart.com/guide/2418/g...t-art-movement

    [7] Отримано з: https://www.moma.org/collection/works/196031

    [8] Кларк, Р. (2001). Гнів Керолі Шнеман проти самця. Опікун. Отримано з https://www.theguardian.com/artandde....artsfeatures1

    [9] Там же.

    [10] Маккензі, Л. (2018). «Дженні Хольцер, феміністська художниця, що стоїть за посланням сукні Grammys Лорда, не є чужою для світу моди». Лос-Анджелес Таймс. (10)

    [11] Отримано з: https://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects/211047

    [12] Досс. Е. (2002). Американське мистецтво ХХ століття. Оксфорд. (с. 198).

    [13] Отримано з https://philamuseum.org/collection/object/86892

    [14] Рамос, Е.Кармен (2014). Наша Америка. Смітсонівський музей американського мистецтва, Вашингтон, округ Колумбія.

    [15] Тейлор, Р. (2010). Каталог виставки Лорни Сімпсон в Тейт. Отримано з: https://www.tate.org.uk/art/artworks/simpson-five-day-forecast-t13335

    [16] Отримано з: https://www.artic.edu/artworks/160222/albino

    [17] Семмель, Дж. (2015). Джоан Семмель: Через п'ять десятиліть. Олександр Грей доц., ТОВ

    [18] Семмел, Дж., Модерсон-Беккер, П., Антін, Е., і холці, Дж. (1983). Роздуми про Музу. Феміністичні студії, 9 (1), 27—32. https://doi.org/10.2307/3177681

    [19] Досс. Е. (2002). Американське мистецтво ХХ століття. Оксфорд. (с. 184).

    [20] Лопес, Ю. «Думка, мистецтво та соціальна практика представляє: данину Йоланді Лопес, художнику-провокатору. Інтерв'ю Черрі Мораги та Селії Еррери Родрігес. 12 лютого 2020 року.

    [21] Лопес, Ю. «Думка, мистецтво та соціальна практика представляє: данину Йоланді Лопес, художнику-провокатору. Інтерв'ю Черрі Мораги та Селії Еррери Родрігес. 12 лютого 2020 року.

    [22] Досс. Е. (2002). Американське мистецтво ХХ століття. Оксфорд. (с. 187).

    [23] Де Альба, Г., Лопес, А., Лопес, А., Ред. (2011). Богоматір суперечок, Непочитне явище Альми Лопес, Університет Техасу Преса.

    [24] Отримано з https://www.sfreporter.com/arts/artsvalve/2013/07/02/shame-as-it-ever-was/.

    [25] Еррера-Собек, Марія та ін. «Цифрове мистецтво, фемінізм Чикана та мексиканська іконографія: візуальна розповідь Альми Лопес у Неаполі, Італія». Чикана/Латиноамериканські дослідження, том 6, ні. 2, 2007, с. 68—91, https://doi.org/https://www.jstor.or...able/i23013190.

    [26] Автори Федона. (2019). Великі жінки-художниці. Фаідон Прес. (с. 298).

    [27] Отримано з: https://publicdelivery.org/shirin-ne...book-of-kings/