Skip to main content
LibreTexts - Ukrayinska

9.3: Музика Ренесансу

  1. Last updated
  2. Save as PDF
  • Page ID
    49711

    • \( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \) \( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)\(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)

    Концерт в яйці, картина Ієроніма Босха
    Концерт в яйці, Ієронім Босх, c. 1561

    Вступ

    Ренесансна музика - це музика, написана в Європі в епоху Відродження. Консенсус серед музичних істориків - з помітним незгодою - полягав у тому, щоб розпочати епоху близько 1400 року, з кінцем середньовічної епохи, і закрити її близько 1600 року, з початком барокового періоду, тому почавши музичний Ренесанс приблизно через сто років після початку Ренесансу як розуміється в інших дисциплін. Як і в інших мистецтвах, на музику того періоду суттєво вплинули події, що визначають ранньосучасний період: підйом гуманістичної думки; відновлення літературної та художньої спадщини Стародавньої Греції та Риму; посилення інновацій та відкриттів; зростання комерційної підприємництво; підйом буржуазного класу; і протестантська Реформація. З цього мінливого суспільства виник загальний, об'єднує музичну мову, зокрема поліфонічний стиль франко-фламандської школи.

    Винахід преси Гутенберга зробило розповсюдження музики та музичної теорії можливим у широкому масштабі. Попит на музику як розваги і як діяльність для освічених любителів збільшувався з появою буржуазного класу. Поширення шансонів, мотетів та мас по всій Європі співпало з об'єднанням поліфонічної практики в флюїдний стиль, який завершився другою половиною шістнадцятого століття в творчості таких композиторів, як Палестрина, Ласс, Вікторія та Вільям Берд. Відносна політична стабільність і процвітання в Низьких країнах, поряд з процвітаючою системою музичної освіти в багатьох церквах і соборах області, дозволили підготувати сотні співаків і композиторів. Ці музиканти були дуже затребувані по всій Європі, особливо в Італії, де церкви і аристократичні двори наймали їх як композиторів і вчителів. До кінця шістнадцятого століття Італія ввібрала північні впливи, причому Венеція, Рим та інші міста були центрами музичної діяльності, змінивши ситуацію на сто років раніше. Опера виникла в цей час у Флоренції як навмисна спроба воскресити музику Стародавньої Греції.

    Музика, все більше звільнена від середньовічних обмежень, в діапазоні, ритмі, гармонії, формі і нотації, стала засобом для нового особистого вираження. Композитори знайшли способи зробити музику виразною текстів, які вони ставили. Світська музика увібрала в себе прийоми від духовної музики, і навпаки. Популярні світські форми, такі як шансон і мадригал, поширилися по всій Європі. На судах працювали віртуозні виконавці, як співаки, так і інструменталісти. Музика також стала більш самодостатньою завдяки своїй доступності в друкованому вигляді, існуючому заради себе. Багато знайомі сучасні інструменти (включаючи скрипку, гітару, лютні та клавішні інструменти), переросли в нові форми в епоху Відродження, реагуючи на еволюцію музичних ідей, представляючи подальші можливості для вивчення композиторів і музикантів. Сучасні дерев'яні духові та мідні інструменти, такі як фагот і тромбон, також з'явилися; розширення діапазону звукового кольору і потужності. Протягом п'ятнадцятого століття звучання повних тріад стало звичайним явищем, а наприкінці шістнадцятого століття система церковних режимів почала повністю руйнуватися, поступаючись місцем функціональній тональності, яка мала домінувати над західною художньою музикою протягом наступних трьох століть.

    Шансоньє Генріх Ісаак
    Шансоньє Генріх Ісаак, 1484

    З епохи Відродження в кількості виживає як світська, так і духовна музика, причому як вокальна, так і інструментальна. Величезне розмаїття музичних стилів і жанрів процвітало в епоху Відродження, і їх можна почути на комерційних записах в двадцять першому столітті, включаючи меси, мотети, мадригали, шансони, супроводжувані пісні, інструментальні танці та багато інших. Численні ансамблі ранньої музики, що спеціалізуються на музиці того періоду, проводять концертні тури і роблять записи, використовуючи широкий спектр інтерпретаційних стилів.

    Однією з найбільш яскраво виражених рис європейської художньої музики раннього Ренесансу була зростаюча залежність від інтервалу третього (в середні віки третини вважалися дисонансами). Поліфонія ставала все більш досконалою протягом чотирнадцятого століття, з дуже незалежними голосами: початок п'ятнадцятого століття демонстрував спрощення, при цьому голоси часто прагнули до гладкості. Це стало можливим завдяки значно збільшеному вокальному діапазону в музиці - в середні віки вузький діапазон зробив необхідним часте перетин частин, тим самим вимагаючи більшого контрасту між ними.

    Модальні (на відміну від тональних) характеристики музики Ренесансу почали руйнуватися ближче до кінця періоду зі збільшенням використання рухів коренів п'ятих. Пізніше це перетворилося на одну з визначальних характеристик тональності.

    Основними характеристиками музики епохи Відродження є наступні:

    • Музика на основі режимів
    • Багатша текстура на чотири або більше частин
    • Змішування, а не контрастні пасма в музичній текстурі
    • Гармонія з більшою турботою про перебіг і прогресування акордів

    Поліфонія - одна з помітних змін, які музично відзначають епоху Відродження від середньовіччя. Його використання заохочувало використання більших ансамблів і затребуваних наборів інструментів, які б поєднувалися між собою по всьому вокальному діапазону.

    Основними літургійними формами, які пережили протягом усього періоду Відродження, були маси та мотети, з деякими іншими подіями до кінця, тим більше, що композитори духовної музики почали приймати світські форми (наприклад, мадригал) для своїх власних конструкцій.

    Поширеними сакральними жанрами були маса, motet, madrigale spirituale, і відзнакою.

    Рукопис мотетов Кіпрієна де Роре, ілюстрований Гансом Міліхом
    Мотет Кіпрієна де Роре ілюстрований Гансом Міліхом

    У цей період світська музика мала все більше поширення, з найрізноманітнішими формами, але потрібно бути обережним, припускаючи вибух у різноманітності: оскільки друк зробив музику більш доступною, з цієї епохи збереглося набагато більше, ніж з попередньої середньовічної епохи, і, ймовірно, багатий магазин популярна музика пізнього середньовіччя безповоротно втрачається.

    Світська музика була музикою, яка була незалежною від церков. Основними типами були німецька брехня, італійська фроттола, французький шансон, італійський мадригал та іспанська villancico. Інші світські вокальні жанри включали качча, рондо, вірелай, бергеретта, балада, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta, і лютня пісня. З'явилися також змішані форми, такі як моте-шансон і світський мотет.

    Чисто інструментальна музика включала в себе консортну музику для диктофона або віолу та інших інструментів, а також танці для різних ансамблів. Поширеними інструментальними жанрами були токката, прелюдія, райсеркар та канцона. Танці, які грали інструментальні ансамблі, включали бас-танець, турдіон, сальтарелло, паван, галліард, алеманда, куранте, bransle, canarie та lavolta. Музика багатьох жанрів може бути організована для сольного інструменту, такого як лютня, віхуела, арфа або клавіатура. Такі домовленості називалися інтабуляціями.

    Ближче до кінця періоду видно ранні драматичні попередники опери, такі як монодія, мадригальна комедія та інтермедіо.

    Теорія і позначення

    За словами Маргарет Бент, «ренесансна позначення недонормативна за нашими мірками; при перекладі в сучасну форму вона набуває нормативної ваги, що завищує і спотворює її первісну відкритість».

    Позначення для уривка Оккегема, Кірі «Au travail suis»
    Оккегем, Кірі «Au travail костюми», уривок
    Ренесансні композиції нотувалися тільки окремими частинами; партитури були вкрай рідкісними, а штрихові лінії не використовувалися. Значення нот, як правило, були більшими, ніж використовуються сьогодні; основною одиницею биття була напівбреве, або ціла нота. Як це було з часів Ars Nova, їх може бути або два, або три з них для кожного бреве (подвійна ціла нота), яка може розглядатися як еквівалентна сучасній «мірі», хоча це було саме значення ноти, а міра - ні. Ситуацію можна розглядати так: вона така ж, як правило, за яким в сучасній музиці четвертьнота може дорівнювати або двом восьмим нотам, або трьом, які б писалися як «трійка». За тією ж розрахунком, до кожної напівбреве може бути дві або три наступної найменшої ноти, «мінім» (еквівалент сучасної «половинної ноти»).

    Ці різні перестановки називалися «ідеальним/недосконалим темпусом» на рівні співвідношення бреве—напівбреве, «досконала/недосконала проляція» на рівні напівбреве—мінім і існували у всіх можливих поєднаннях один з одним. Три до одного називали «ідеальним», а два до одного «недосконалим». Існували також правила, згідно з якими окремі ноти можуть бути зменшені вдвічі або подвоєні за значенням («недосконалі» або «змінені» відповідно), коли передують або слідують інші певні нотатки. Нотки з чорними нотами (наприклад, квартальні ноти) траплялися рідше. Цей розвиток білих менструальних позначень може бути наслідком збільшення використання паперу (а не веллума), оскільки слабший папір був менш здатний витримати подряпини, необхідні для заповнення твердих нот; позначення попередніх часів, написані на веллумі, були чорними. Інші кольори, а пізніше, заповнені ноти, також використовувалися регулярно, головним чином для забезпечення вищезгаданих недосконалостей або змін та заклику до інших тимчасових ритмічних змін.

    Випадкові випадки не завжди були вказані, дещо як у певних аппликатурах (табулатурах) сьогодні. Однак музиканти епохи Відродження були б високо навчені в діадичному контрапункті і, таким чином, володіли цією та іншою інформацією, необхідною для читання партитури, «те, що вимагає сучасна позначення [випадкових], тоді було б цілком очевидним без позначення співака, який розбирається в контрапункті». Співак інтерпретував свою частину, розбираючи каденційні формули з іншими частинами на увазі, і, співаючи разом, музиканти уникали паралельних октав і п'ятих або змінювали свої каденційні частини у світлі рішень інших музикантів.

    Саме завдяки сучасним табулатурам для різних щипаних інструментів ми отримали багато інформації про те, які випадкові випадки виконували оригінальні практикуючі.

    Інформацію про конкретних теоретиків див. Йоганнес Тінкторіс, Франчин Гафурій, Генріх Глареан, П'єтро Арон, Нікола Вісентіно, Томас де Санта-Марія, Джозеффо Зарліно, Вісенте Лузітано, Вінченцо Галілей, Джованні Артусі, Йоганнес Нуцій та П'єтро Сероне.

    Тимчасова лінія композиторів епохи Відродження

    Контент з ліцензією CC, раніше ділився
    Вміст публічного надбання