5: Європейська та американська художня музика з 1900 року

Як це було вірно для всіх періодів, музика останніх ста років пов'язана з минулими традиціями, але розробила способи вираження, які чітко сучасні і відходять від попередніх практик. Твори мистецтва завжди в деякому відношенні відображають час, в якому вони були створені і, навпаки, формують наше сприйняття періоду, в якому вони були виготовлені. Деяка музика охоче говорить з нами, тому що ми певним чином пов'язані з її історичним і культурним контекстом, але часто чим ближче твори мистецтва є для нас в часі, тим більш чужорідними і недоступними вони здаються. Це явище не нове. Художники традиційно були візіонерами, творцями нових способів переживання та спілкування, які кидають виклик нашому розумінню. Розуміння обставин генезису твору та того, що композитор вирішив досягти, може допомогти нам слухати з більшою симпатією та розумінням.

У перші десятиліття 20 століття багато творчих художників реагували проти естетики і цінностей романтизму. Композитор Ігор Стравінський і художник/скульптор Пабло Пікассо є одними з важливих фігур, твори яких відображають їхній інтерес до племінних суспільств і примітивне, ритуальне вимір людської психіки, що було предметом досліджень і творів Фрейда. Одним з найбільш радикальних відходів від минулих музичних традицій був «метод композиції з дванадцятьма тонами» Арнольда Шенберга, який відкидав принципи ключового центру і відмінність між співзвучністю і дисонансом, які були основою західної музики протягом століть. Через відсутність тоніка дванадцятитональну музику часто називають «атональним», терміном, проти якого Шенберг заперечував, або «серійний», оскільки композиційна техніка передбачає маніпулювання зародковим рядом смол. Теоретичні праці Шенберга та його серійні твори мали великий вплив на наступні покоління композиторів. Хоча дванадцять тон описує композиційну процедуру Шенберга, його стиль класифікується як експресіоніст. Експресіонізм був рухом початку 20-го століття, який прагнув розкрити через мистецтво ірраціональну, підсвідому реальність і пригнічені споконвічні імпульси постульовані і проаналізовані в працях Фрейда.

Ще одним важливим розвитком протягом перших десятиліть 20 століття стало пробудження інтересу серед американських художників, романістів, поетів, драматургів, хореографів та композиторів до створення творів, які відображали виразно американську, на відміну від європейської, чуттєвість. У музиці відомий чеський композитор Антонін Дворжак, який відвідав США протягом 1890-х років, кинув виклик американцям скласти власну музику на основі рідних народних матеріалів. Його власна симфонія № 9 (1893), написана під час перебування в Америці, була нагадуванням афроамериканського духовного. До 1920-х американських композиторів, як Джордж Гершвін і Аарон Копланд були включення ритми і блюз тональності джазу в їх симфонічних творах. Твір Гершвіна 1924 року «Рапсодія в синьому» - найвідоміший твір цього жанру. Протягом 1930-х і початку 1940-х років Копланд, Гершвін, Вергілій Томсон, і Рой Харріс черпали з безлічі американських народних стилів, включаючи спіричуали, блюз, ковбойські пісні, народні гімни, і скрипка мелодії в складанні своїх популістських симфонічних творів.

Американські композитори початку 20 століття також прагнули створювати чітко нові твори, займаючись радикальними експериментами. Чарльз Айвз, який писав у перші два десятиліття століття, був першим американцем, який відійшов від романтичних європейських конвенцій форми та стилю, використовуючи дисонанс, атональність, складні ритми та нелінійні структури. Ці ідеї продовжили американські експериментальні композитори Генрі Коуелл, Конлон Нанкарроу, Едгар Варез та Рут Кроуфорд Сігер в 1920-30-х роках. До 1940-х років і в роки після Другої світової війни американський авангардний композитор Джон Кейдж кинув виклик слухачам повністю переосмислити те, що складало музику та мистецтво через його радикально експериментальні твори, які черпалися з нових технологій, перформансу та східних систем думки та естетики. Кейдж проклав шлях для так званої «downtown» нью-йоркської експериментальної сцени, яка зламала бар'єри між музикою, візуальним мистецтвом, перформансом тощо. Інтерес Кейджа до незахідної музики надихнув мінімалістичних композиторів, включаючи Террі Райлі, Стів Райх і Філіп Гласс, який буде малювати на африканських і азіатських музичних систем в 1960-х і 1970-х роках.

Цей інтерес до незахідної музики в останні 50 років є результатом безпрецедентного контакту між різними культурами. Протягом більшої частини людської історії музичні репертуари розвивалися значною мірою ізольовано один від одного, тому музичний досвід був головним чином обмежений музикою власної безпосередньої культури людини. Сьогодні можливості почути музику і види музики, які доступні, різко розширилися в результаті сучасних технологій і посилення контактів між народами. Сучасні режими подорожей і спілкування і технології запису музики, придумані з кінця 19 століття, прибрали бар'єри, що відокремлювали різні музичні традиції і репертуари один від одного. Типовий музичний магазин у Сполучених Штатах сьогодні має розділи, присвячені записам, що охоплюють весь простір європейської класичної музики від середньовіччя до сучасності, світової музики та репертуарів, які розвивалися протягом 20 століття, таких як джаз та рок. Музика з далеких часів і місць також фігурує в програмуванні деяких радіостанцій, телевізійних станцій та онлайн-музичних сайтів. Жителі великих міст і ті, хто проживає поблизу кампусів коледжів, мають можливість почути живі виступи музикантів, які навчаються іншим культурним традиціям або спеціалізуються на ранній музиці, а також концерти оркестрів, оперних труп та солістів, які виконують стандартний класичний репертуар. Для музикантів глобалізація музики відкрила нові двері і розчинила старі межі. Виконавці вчаться і набираються майстерності в репертуарах інших культур, крім своїх, а композитори можуть спиратися буквально на весь світ музики в створенні нових стилів кросовера.

Сучасні технології зробили можливим не тільки збереження і широке поширення музики, але і стали джерелом для генерації і маніпулювання музичними звуками. Одне з найбільш ранніх пристроїв, що створювали музичні звуки електронними засобами, «Термен» (названий на честь його винахідника, російського вченого Леона Терменіна) був представлений на початку 1920-х років. Використовуючи численні технології, які були розроблені в наступні десятиліття, композитори записували музичні тони або природні звуки, які вони трансформували механічними та електронними засобами, а іноді доповнювали іншими, що генеруються в електронному вигляді в студії. Цю сировину потім збирали для відтворення, або як самодостатню композицію, або поєднували з живим виконанням. Сьогодні технологічна композиція стала широко доступним процесом завдяки зберіганню зразків звуку в домашніх комп'ютерах. Синтезовані, вибіркові та цифрові змінені звуки зазвичай використовуються для спецефектів у популярній музиці, фільмах та роботах для концертного залу. Існує також репертуар, в якому кольоровий вимір звуку - це те, про що йдеться в роботі. Порівняно з абстракціоністом, матеріали якого є основними елементами форми та кольору, композитор будує послідовність звукових подій унікального тону, кольору, динаміки та оформлення.