1.5: Як порівняти та контрастувати мистецтво
- Page ID
- 39316
Порівняння сучасних картин та історичних картин дає розуміння того, як минуле впливає на сьогодення. Вивчення елементів мистецтва, дизайну та методів мистецтва допоможе вам спілкуватися та писати новою мовою для порівняння та контрасту мистецтва. У цьому підручнику ми будемо порівнювати і контрастувати звичайні зображення коней, фігур, соняшників, точок. Як і нова мова, вона стає більш звичною, чим більше термінів використовуються в письмових описах. Дивлячись на мистецтво є основою навчання, як писати описові есе. Чим довше ви дивитеся, тим більше інформації ви починаєте бачити, як сліди пензля. Задаючи собі запитання щодо знаків пензля, ви можете визначити тип мистецтва, на який ви шукаєте: Імпресіонізм використовує значні широкі сліди пензля з видимими плитами фарби. У той час як художники епохи Відродження використовували олійну фарбу з майже прихованими слідами пензля, надаючи картини життєвий вигляд. Ці спостереження допоможуть вам вирішити, до якого періоду художнього живопису може належати, коли ви не знаєте відповіді.
Порівняння коней
Дві картини, полювання на естафету (1.9) та Foundation Sire (1.10), були створені 170 років один від одного, але такі ж реалістичні, як фотографії, зроблені вчора. Подібні екземпляри коні переважно обличчям подалі від глядача, демонструючи міцні задні лапи та підтягнуті м'язи. Сяюче сонце позначає їх шерсть, відображаючи відблиски та підкреслюючи м'язову структуру тварин. Обидва художники реалістично зображують коней, змушуючи глядача по-друге поглянути на вишукані деталі коней і оточення.
У реалістичних картині обидва художники зосереджувалися на деталах, заснованих на вивченні анатомії коня. Роза Бонхер, яка намалювала трьох коней в Естафетному полювання (1,9), фактично пішла на м'ясопереробні заводи і вивчала анатомію коней, поки вона розтинала тварин. Більшість художників вивчають анатомію людини як частину своєї освіти. Розуміння м'язової та кісткової структури тіла сприяє здатності художників малювати реалістичних людей та тварин.
1.13 Вивчення коней Леонардо
Представлення коней протягом усього людського часу почалося на стіні печери, Зображення коня (1.11). Ми бачимо коней, увічнених у бронзових статуях, знятих на плівці або намальованих у дослідженні коней (1.13). Пофарбований у синіх коней (1,14), витравлений у «Лицар, Смерть і Диявол» (1.12) та кольоровий. Коні були видом транспорту протягом тисяч років, а зображення коней було традиційним портретом протягом століть. Ці малюнки різних видів коней демонструють, що вони можуть бути намальовані або намальовані в багатьох типах стилів. Деталі в травлені Лицар, Смерть і Диявол (1.12) встановлює художника як детально орієнтовану людину на відміну від Блакитних коней (1.14), який має більш вільний стиль живопису і сміливіші кольори.
Порівняння цифр
На перший погляд, Народження Венери (1,15) і Rara Avis 19 (1,16) виглядають абсолютно не схожими один на одного, або вони? Давайте подивимося ближче на ці дві фігури - який єдиний об'єкт в обох картині схожий? Жінка в центрі! Обидві пози схожі, невиразні, крім того, що читає в неї глядач, і вони не відображають руху, дуже статичну позу з витягнутими ногами і ступнями. Жоден з художників не надає жодної ваги тілу або не використовує будь-який тип глибокого перспективного простору. Обидві фігури мають неможливу позу, зміщення ваги над одним стегном. Вони обидва, здається, виходять з води так, ніби народжуються з моря.
Вони обидва барвисті і мають враження фону; земля, море та дерева. Однак ці дві картини знаходяться на відстані понад 500 років, Народження Венери Сандро Боттічеллі в 1486 році та Рара Авіс 19 Джуліан Густлін у 2014 році. Боттічеллі малював олією на полотні, а його Венера осторонь і незацікавлена її оточенням. Густлін працює акриловими та олійними фарбами на борту, використовуючи ефекти шарів для досягнення своїх чітких і хитромудрих картин. Фігури в пейзажі часто показують примхливу і задумливу фігуру, але в той же час, зображуючи відчуття майбутнього. Одна цифра встановлена в дослівному перекладі, а інша в сучасному погляді, але кожна з них тікає від реальності.
Порівняння соняшників
Ці два твори мистецтва демонструють чудовий соняшник на висоті його цвітіння. Жовті пелюстки розкриваються до сонячного світла, пропонуючи насіння прохідним птахам. Натяк коричневого кольору на листках говорить глядачеві про те, що осіння погода на своєму шляху. Ці два твори мистецтва знаходяться близько 140 років один від одного, один в фарбі, а інший - пофарбована тканина. Соняшники (1,17) у вазі - Вінсент Ван Гог у 1887 році, а ковдра з соняшнику (1,18) - невідомою ковдрою, 2004.
Два шматки мають багато подібних компонентів, наприклад, кольори соняшників жовті, коричневі насіннєві стручки в центрах, обидві картини заповнюють простір, і обидва пофарбовані. Відмінності є більш значними, оскільки стьобані соняшники сильно контрастують з темно-коричневою тканиною; квіти у вазі знаходяться на блідо-блакитному тлі. На ковдрі зображені квіти, розташовані в просторі, не прив'язані до стебел або у вазі, як видно на картині.
Процес фарбування також відрізняється. Ван Гог малював свої соняшники на полотні олійними фарбами. Пофарбована ковдра тканина стала палітрою для соняшників з переважно жовтими, з коричневими, зеленню та апельсинами у випадковому масиві кольорів для відблисків, розрізаних на окремі листя та розташовані на фоні тканини. Обидва твори - це схожі твори мистецтва, створені в різні періоди з різних матеріалів.
Порівняння крапок
Точки або точки є єдиними первинними формами в мистецтві. У мистецтві крапки можуть бути однією або багатьма тисячами точок, абстрагованих на зображення, які ми можемо або не можемо розпізнати. Точки можуть бути далеко один від одного або близько один до одного, різних кольорів, однотонні або одного кольору. Всі малюнки починаються з однієї точки від точки олівця, а в міру переміщення олівця він стає суцільною лінією точок, тим самим роблячи крапку одним з найважливіших елементів в мистецтві.
Точки стають центром мистецтва, а простір між крапками настільки ж вирішальний, як і сама точка. Точка може викликати напругу або гармонію залежно від кольору, розміру та того, наскільки точка близька до іншої точки. Коли точки розташовані ближче один до одного, вони починають ставати об'єктом, впізнаваною формою.
Yayoi Kusama (нар. 1929) вважається «Принцеса горошок горошок», використовуючи великі чіткі горошок у своїх двох скульптурах Квіти (1,19) і Життя - серце веселки (1.20). Вони являють собою червоні і білі горошки, що оточують дерева або всю кімнату. Горошок - це чітко кола, особливо в кімнаті, оскільки вони знаходяться далеко один від одного і лише в двох контрастних кольорах. Червоні загорнуті дерева з білими горошками ближче один до одного, але все ще відрізняються різними розмірами на високому контрасті. Точки не торкаються, а негативний простір між ними приблизно однакового розміру у всьому.
Джордж Сера розробив техніку живопису крихітними кольоровими крапками під назвою пуантилізм, коли він розгалужувався від імпресіонізму. Пуантилізм спирається на маленькі кольорові крапки, які поєднуються у свідомості глядача, створюючи велику сцену. Впритул видно кожну кольорову крапку та мітку пензля; однак, коли глядач відступає на кілька футів назад, глядач дивується реалістичною картиною. Масштабний твір «Недільний день на острові Ла-Гранд-Жатте» (1.21) перетворив мистецтво на рубежі 20 століття і надихнув художників працювати з крапками.
Всі три картини створені з точок, дрібних крапок, великих крапок, кольорових точок на полотні, на стіні, підвішені до стелі або підвішені в просторі. Розмір і колір точки мають значення і можуть дати глядачеві зовсім інший досвід.
Мистецтво - це скрізь, куди ти дивишся, все, що ти носиш, а мистецтво - це краса. Просто озирніться навколо...